Desenul digital poate fi foarte complicat. Se pare că s-a încărcat programul potrivitși poți începe să pictezi. Orice instrument în mâinile tale. Toate culorile sunt gata de utilizare, nimic nu trebuie amestecat. Dacă ai început să folosești Photoshop având deja abilități de desen, totul nu este atât de dificil: trebuie doar să găsești un înlocuitor bun pentru instrumentele tale preferate. Dar, dacă tocmai ați început să vă familiarizați cu fiecare dintre aceste arte, atunci totul devine un coșmar.

Photoshop este înșelător de simplu: iată un set de pensule, aici toate culorile, o gumă de șters, un buton Anulare. Începi să desenezi, totul arată foarte rău, începi să cauți soluții care să te ajute să desenezi ceva mai bun. Și uite câte unelte! Începi să încerci totul, unul după altul, și gata - magia se întâmplă!

Dar toată „magia” este că Photoshop desenează pentru tine. Nu ai niciun control asupra procesului, dar rezultatul arată mai bine decât ceea ce tu - un simplu începător - ai putea face vreodată (cel puțin așa crezi). Continuați să lucrați, sperând că toate aceste imagini se vor transforma într-o zi în opere de artă.

Artiștii digitali profesioniști pe care îi admiri folosesc Photoshop pentru a-și aduce viziunea asupra lumii la viață, dar îl folosesc doar ca un instrument, nu ca o mașină de artă.

Profesioniștii își imaginează rezultatul și fac programul să-l realizeze. Începătorii obligă programul să facă ceva și, dacă sunt mulțumiți, își însușesc rezultatul.

1. Dimensiune greșită a pânzei

Chiar și un copil se poate descurca cu crearea unui fișier nou. tu te duci la Fișier > Nou sau, dacă ești suficient de avansat, atunci folosește Control-N. Acest proces pare foarte simplu, așa că de multe ori trece neobservat.

Există trei probleme cu acest paragraf.

1. Pânză prea mică

Așa cum toate obiectele sunt formate din atomi, fiecare imagine digitală este formată din pixeli. Probabil știi deja asta. Dar exact de câți pixeli aveți nevoie pentru a crea o imagine detaliată? 200×200? 400×1000? 9999×9999?

Începătorii folosesc adesea din greșeală o dimensiune a pânzei apropiată de rezoluția ecranului lor. Dar problema este că nu poți ști sigur din care ecran alte persoane se uită la imaginea ta.

Să ne imaginăm că imaginea ta arată pe ecran ca în exemplul 1. Înălțimea acestei imagini este perfectă pentru ecranul tău. Totul este setat la rezoluția maximă a ecranului, 1024x600. Nici utilizatorii cu rezoluții de 1280x720 (2) și 1366x768 (3) nu au de ce să se plângă. Dar uite ce se întâmplă dacă rezoluția ecranului este și mai mare - 1920x1080 (4) și 1920x1200 (5). În mod constant, imaginea ocupă din ce în ce mai puțin spațiu pe ecran.

Și nu este vorba doar de „spațiul alb” din jurul imaginii. „Rezoluție înaltă” nu are neapărat același sens ca „ecran mare”. Ecranul smartphone-ului poate avea mai mulți pixeli pe el ecran compact decât unii calculatoare personale! Aruncă o privire:

1. Aceeași dimensiune, rezoluție diferită

2. dimensiune diferită, aceeași rezoluție

Ce înseamnă? Cât despre alții, imaginea ta, care trebuia să se potrivească perfect pe ecran, ar arăta cam așa:

Dar dimensiunea pânzei are mai mult de-a face cu asta. Cu cât rezoluția este mai mare, cu atât mai mulți pixeli în imagine. La rezoluție scăzută, ochiul poate lua până la 20 de pixeli. când este mai mare - poate avea peste 20.000 de pixeli! Imaginează-ți ce detalii rafinate pot fi adăugate!

Iată un mic truc pentru tine: atunci când desenezi ceva mic, dar la rezoluție mare, chiar dacă puțin neglijent, atunci această imagine pare foarte interesantă de la distanță. Incearca-l!

Rezoluția înaltă face posibilă vizualizarea celor mai fine detalii

2. Pânză prea mare

Înseamnă asta că ar trebui să folosești întotdeauna Rezoluție înaltă sa fii sigur de calitate? Teoretic, da. În practică, acest lucru nu este întotdeauna necesar și uneori chiar imposibil.

Cu cât rezoluția este mai mare, cu atât are mai mulți pixeli cea mai simplă cursă. Cu cât sunt mai mulți pixeli într-o lovitură, cu atât este mai dificil pentru program să-l proceseze. Deci, iată un argument împotriva unei pânze mari - aveți nevoie de multe computer puternic pentru a lucra confortabil la rezoluții foarte mari.

Al doilea argument este că rezoluția înaltă este, în cea mai mare parte, necesară doar pentru imagini foarte detaliate. Deși această concepție greșită este foarte comună în rândul începătorilor, nu toate picturile trebuie să fie detaliate. Chiar dacă vrei să desenezi ceva realist, poți ignora cu siguranță cantitatea uriașă de detalii din fotografii. Ceea ce vedem nu arată întotdeauna ca o fotografie.

Când rezoluția este mai mult decât necesară, perspectiva de a adăuga ceva ici și colo pare foarte atractivă. Și odată ce începi să o faci, nu mai există întoarcere. Există diferite niveluri de detaliu, dar fiecare imagine ar trebui să folosească doar unul. Dacă doriți să creați o imagine rapidă, fluidă, atunci nu petrece ore în șir desenând un ochi sau un nas - aceasta va face ca întreaga imagine să pară neterminată și neglijentă.

3. Dimensiunea imaginii finite este prea mare

Să presupunem că ai găsit rezoluția perfectă pentru imaginea ta. Nu este prea mare și nici prea mic - dimensiunea perfectă pentru nivelul de detaliu dorit. Dar aici poți să faci și o greșeală. Rezoluția anterioară funcționa. Ai folosit o mulțime de pixeli pentru a obține detaliile ochiului, dar dimensiune greșită, eforturile tale vor fi vizibile chiar și la distanță.

De ce le permiteți altora să vadă aceste detalii... Dacă îi puteți face să vadă doar ceea ce ar trebui să fie vizibil?

Înainte de a salva imaginea, redimensionați-o. Rezoluție optimă care se potrivește fiecărui desen, nu. Există o mică regulă: cu cât lucrarea este mai detaliată, cu atât se pierde mai puțin la rezoluție înaltă. Dacă imaginea este puțin neînțeleasă, atunci arată mai bine la o rezoluție mică. Dacă vrei să înțelegi mai bine acest principiu, atunci uită-te la ce rezoluție folosește artistul tău preferat atunci când își încarcă lucrarea.

Încă un lucru: când redimensionați o imagine, verificați ce dimensiune implicită funcționează cel mai bine. Unii pot face imaginea foarte precisă, ceea ce vă poate plăcea sau nu.

2. Lucrul cu un fundal alb

Acest lucru poate părea ceva nesemnificativ - ce este în neregulă cu fundalul alb? E ceva neutru, nu-i așa? Arată exact ca o bucată de hârtie.

Problema este că nu există o culoare „neutră”. Transparența este foarte apropiată, dar imposibil de desenat. Culoarea este ceea ce este culoarea. Când se folosesc două culori între ele, sigur relatii. Pentru alb+culoarea A - relaţie: „culoarea A este mai închisă”. Nu contează care au fost intențiile tale, vei începe cu o culoare închisă pentru că cea mai deschisă culoare este deja în fundal! Toate culorile sunt mai închise decât albul.

Luminozitatea oricărei nuanțe depinde de fundal.

De obicei la desen folosim fundal alb, pentru că din punct de vedere tehnic este mai ușor să folosești o culoare închisă pe un fundal deschis decât invers. Dar într-un desen digital, nu este nevoie de acest lucru. De fapt, poți începe cu un fundal negru, dar este o idee la fel de proastă ca să începi cu alb pur. În practică, cea mai neutră culoare este gri la 50% luminozitate.

De ce? Deoarece culoarea de fundal afectează percepția altor culori. Pe un fundal alb, nuanțele închise vor apărea mai închise, așa că veți încerca să le evitați. Pe un fundal negru, regula este aceeași, doar pentru culori deschise. Rezultatul este un contrast slab, care devine evident de îndată ce fundalul este înlocuit. Iată o dovadă pentru tine:

Artiștii cu experiență pot începe cu orice culoare și pot obține rezultatele pe care le doresc, dar dacă nu sunteți prea familiarizat cu teoria culorilor, începeți întotdeauna cu ceva neutru - nu prea întunecat și nici prea deschis.

3. Lipsa contrastului

Desigur, uneori percepția culorii poate fi afectată din cauza calității ecranului. Dacă utilizați un laptop, atunci probabil știți cum se schimbă contrastul imaginii din diferite unghiuri. Atunci cum poți obține contrastul necesar, care va arăta la fel pe toate ecranele?

Chiar dacă totul este în regulă cu ecranul tău, după ce te uiți la ecran mult timp, percepția ta asupra imaginii este părtinitoare. Dacă ai schimbat nuanțele treptat, pas cu pas, contrastul poate părea destul de bun. Dar asta se datorează doar faptului că în acest fel imaginea arată mai bine decât acum cinci pași. De exemplu, lucrarea de mai jos arată bine...

… dar numai până când o compari cu o imagine cu un contrast mai mare. Și cine știe, dintr-o dată, când compari noua imagine cu alta, din nou nu va avea suficient contrast?

Photoshop are un instrument care te va ajuta foarte mult în această situație. Se numește Niveluri și, de altfel, este o histogramă. Arată cât de mult din fiecare nuanță a fost folosită în imagine. Puteți deschide acest ecran cu Imagine > Ajustări > Niveluri sau folosind Control L.

Cum functioneaza? Aruncă o privire la aceste patru exemple:

• Cantitate aproape egală de alb, negru și tonuri medii.
• Doar subtonuri negre și întunecate
• Doar tonuri de alb si deschise
• Doar alb și negru, aproape fără semitonuri

Puteți citi din histogramă?

Puteți schimba nivelurile mutând glisoarele. Nu numai că vei reduce numărul de nuanțe, dar vei ajuta și programul să le distribuie corect în histogramă.

Histograma arată că există o mulțime de tonuri medii în această imagine și, în același timp, există foarte puține zone luminoase și întunecate. Nu contează cum vedem desenul, este ceea ce ne spune computerul. Desigur, nu există o rețetă perfectă pentru a lucra cu niveluri (totul depinde de luminozitatea imaginii în sine), dar absența absolută a zonelor întunecate și luminoase este un semn rău.

Uită-te doar ce se întâmplă dacă mutăm cursorul la mijloc!

Există o modalitate de a folosi nuanțele corecte de la început? Da, și va dura mai puțin timp! Trebuie să începeți să utilizați mai puține nuanțe - întuneric, deschis, tonuri medii și unele alb și negru.

Pentru a pune în practică aceste cunoștințe, înainte de a începe să desenați, schițați iluminarea pe sferă:

• Desenați un cerc și umpleți-l cu cea mai închisă nuanță (negrul nu este recomandat)
• Adăugați un semiton
• Adăugați cea mai deschisă nuanță (albul nu este recomandat)
• Adăugați unul sau două semitonuri
• Adăugați puțin alb-negru

Vedeți cum sunt aranjate aceste culori pe histogramă? Când le combinăm, asta se întâmplă. Utilizați această sferă ca gamma pentru a vă crea desenul, desenând umbre în aceeași secvență: cea mai întunecată nuanță, nuanță medie, cea mai deschisă, mai multe tonuri medii, nuanțe întunecate și deschise. Acum o poți netezi.

Un alt sfat - dacă comparați din nou aceste două capete (desenate cu contrastul corect și corectate), veți observa diferența. Mărirea contrastului nu va remedia toate greșelile dacă nu i-ați acordat suficient timp de la început - fiecare element are propriul său set de nuanțe. De exemplu, cea mai întunecată zonă de pe o suprafață albă va fi mult mai luminoasă decât cea mai întunecată zonă de pe o suprafață neagră. Aceasta înseamnă că trebuie să pregătiți atâtea sfere câte elemente aveți diferite.

Amintiți-vă: pictarea umbrelor obiectelor deschise cu nuanțe închise este la fel de greșită precum pictarea obiectelor întunecate cu nuanțe deschise.

4.Prea multe pensule complexe și lovituri mari

Când comparăm pensulele tradiționale cu pensulele Photoshop, diferența este atât de evidentă încât nu este întotdeauna clar de ce au același nume. Până la urmă, pensulele clasice îți permit doar să pictezi tușe mai mult sau mai puțin haotice, în timp ce cele digitale creează singure o operă de artă.

Aici începe distracția. Dacă ceva este creat de la sine, pierzi tot controlul asupra lucrării. Artiștii profesioniști folosesc în mare parte lovituri simple, doar ocazional apelând la unele mai complexe pentru ajutor. Folosirea pensulelor complexe nu numai că te face leneș, ci și te împiedică să înveți cum să obții un anumit efect pe cont propriu.

Când abia începi cu desenul digital, este normal să cauți modalități de a vedea progresul cât mai repede posibil. Vrei să vezi rezultatul aici și acum. Iar periile devin soluția evidentă. Vreau blană - iată o perie de blană pentru tine; Vreau o perie - iată o perie. Dacă nu poți desena ceva, trebuie doar să descarci o pensulă care poate face asta pentru tine.

Pensulele suplimentare pentru Photoshop nu sunt întotdeauna rele - dimpotrivă, sunt foarte utile. Problema apare doar atunci când îl folosești ca bază pentru „abilitățile” tale. Dacă ți-ai face timp să înveți cum să desenezi rapid blana, ai realiza că de fapt nu trebuie să desenezi fiecare păr pentru acest efect. V-ar deveni clar că modul în care percepem unele lucruri nu corespunde întotdeauna cu realitatea. Veți învăța să priviți și apoi să recreați ceea ce vedeți, nu ceea ce credeți că vedeți.

În schimb, preferi să renunți după ce ai petrecut o jumătate de oră lucrând la un păr și căutând o perie care să-ți facă treaba. L-ai găsit, ești fericit și gata să mergi mai departe. Acest proces este atât de simplu încât devine cu ușurință un obicei și nu mai înveți - de ce, dacă există o cale mai ușoară?

Dar cum se confruntă artiștii tradiționali cu această problemă? Nu au acea varietate de perii. Cum desenează blana? Răspunsul este simplu - în același mod în care l-ai folosi dacă nu ai avea o perie. Dacă îți dorești să-ți îmbunătățești abilitățile, va trebui să rupi blestemul tuturor artiștilor în devenire și să renunți la pensule suplimentare pentru o vreme. Începe cu un set simplu ca acesta și învață cum să folosești aceste perii. Nu căuta căi ușoare, lucrează la el și vei câștiga o experiență neprețuită, în loc de trucuri ieftine.

5. AVC prea mare

Încă una greseala comuna asociată cu pensulele este utilizarea unor mișcări prea mari. Și, din nou, nerăbdarea este de vină. Regula generală este că 80% din muncă necesită 20% din efort, ceea ce înseamnă că ar trebui să-ți petreci 80% din timp lucrând la finisarea imaginii. Dacă ai făcut o schiță, o bază, culori alese și ai lucrat la umbre simple în două ore, știi că ai opt ore de muncă înainte. Mai mult, pe parcursul acestor opt ore, progresul va fi mai puțin vizibil decât în ​​primele două ore.

Acest lucru devine deosebit de evident atunci când ne uităm la imaginile procesului intermediar de lucru pe care artiștii le postează, cum ar fi aceasta. Primii pași sunt pur și simplu uriași - ceva se creează din nimic. Apoi procesul încetinește. Abia poți face diferența dintre ultimii pași deși le-a luat mult timp.

Aici se află întreaga problemă. Când imaginea ta este aproape terminată, vrei să o completezi rapid și să te bucuri de rezultatul final. Dar, de fapt, acesta este exact momentul în care toată munca abia începe! Îmi amintesc un comentariu sub una dintre fotografiile procesului intermediar: „M-aș opri la pasul 4” (din 10). Aici este diferența dintre un profesionist și un începător! Pentru că, sfârșitul regulii spune: aceste ultime 20% din muncă reprezintă 80% din rezultatul total.

Soluția la această problemă este foarte simplă. Munca ta nu trebuie să se termine cu lovituri mari. Acestea ar trebui folosite la început, la 20% din totalul muncii. Folosiți-le pentru a crea formă, a da lumină, a adăuga culoare. Și apoi reduceți treptat dimensiunea, măriți imaginea, ștergeți, adăugați detalii. Veți ști că treaba este făcută atunci când începeți să lucrați cu o perie foarte mică pe o suprafață foarte mare. În general, cu cât peria atinge mai mult spațiu, cu atât lucrarea arată mai finisată.

Și acum cea mai bună parte a acestei reguli. Deoarece 80% din muncă nu afectează foarte mult rezultatul final, nu este nevoie să petreceți mult timp pentru acestea. Începeți rapid și economisiți energie pentru mai târziu. Amintiți-vă, nu fiecare imagine trebuie să fie terminată doar pentru că ați început-o. Prin eliminarea proiectelor pentru care v-ați pierdut interesul, veți economisi de patru ori mai mult timp decât ați petrecut deja!

6. Prea multa culoare

Artiștii tradiționali nu au prea multă culoare pe care să o poată folosi imediat. Trebuie să învețe să creeze, să le amestece pentru a obține efectul dorit. Nu au de ales - trebuie să învețe teoria culorilor. Tu, chiar și ca începător, ai deja toate culorile la îndemână. Și aceasta este o adevărată pedeapsă!

Nu înțelegem culorile pentru că nu este nevoie de ele în viața noastră obișnuită. Dar, ca artist, trebuie să-ți schimbi complet atitudinea față de culoare. Ar trebui să încetați să vă gândiți la culoare în mod obișnuit și să începeți să înțelegeți concepte precum nuanța, saturația și luminozitatea.

Culorile nu există de la sine. Ele depind unul de altul. Să presupunem că, atunci când doriți să faceți o culoare mai strălucitoare, puteți fie să luați o culoare mai strălucitoare, fie să reduceți luminozitatea fundalului. Roșul devine mai cald sau mai rece în funcție de mediu. Chiar și saturația culorii se poate schimba!

Începătorii care nu sunt familiarizați cu aceste principii încep să picteze alegând aleatoriu culori care s-ar putea să nu meargă deloc împreună: iau albastru, adaugă verde și toate acestea fără nici cea mai mică idee despre ceea ce au ales.

Iată cum vede un începător culorile:

1. Albastru
2. albastru cețos
3. gri
4. negru

Dar de ce avem nevoie de o asemenea varietate de nuanțe dacă sunt atât de inutile? Problema este că nu este. Trebuie doar să începi să înțelegi de unde vin și ce înseamnă. Să privim aceleași culori prin ochii unui profesionist:

1. albastru desaturat
2. Albastru intens
3. Albastru stralucitor
4. Albastru inchis

Pare confuz, nu-i așa? Dar asta nu înseamnă că nu poți ignora totul! Dacă credeți că aceasta este o muncă prea obositoare, atunci lucrați cu gri pentru un timp. Culorile (sau tonurile) sunt ca cireașa de pe un tort. Ea poate face tortul mai dulce, dar nu poate fi fundația lui. Nicio cantitate de glazură nu va repara un tort prost.

7. Copierea culorii de la sursă

Este foarte greu să lupți împotriva acestei tentații. Înțeleg asta foarte bine. Dar din nou, dacă chiar vrei să înveți cum să desenezi digital, nu ar trebui să folosești Eyedropper.

Începătorii folosesc cel mai adesea portocaliu/roz cu conținut scăzut de saturate ca culoare a pielii, dar acest efect este foarte departe de realitate. Dar, dacă folosești sursa... este cu totul altă poveste! Aproape fiecare pixel are o nuanță diferită, nu doar roz - puteți găsi cu ușurință roșu, portocaliu, violet, verde, albastru. Saturația și luminozitatea se schimbă de fiecare dată, dar rezultatul final nu este haos.

Când iei o culoare de la sursă, desenul capătă o nouă viață. Singura problemă este că o astfel de muncă nu este diferită de copiere. Rezultatul poate arăta grozav, dar nu vă puteți revendica meritul pentru muncă.

Și încă ceva: acest proces te oprește să faci progrese. Se poate spune că „cumpărați” un set de culori în loc să învățați cum să le asortați singur. Ai propria ta roată de culori cu tot ce ai nevoie: fiecare culoare pe care o alegi de la sursă poate fi recreată chiar de tine. Dar încă preferați să utilizați culorile care sunt deja pe original - rapid și foarte eficient.

Pentru a înceta să te bazezi constant pe sursă, va trebui să înveți să vezi culorile. Privește orice obiect - care este tonul, saturația, luminozitatea acestui obiect? E foarte greu de spus, nu-i așa? Dar dacă tot alegi culoarea potrivită cu pipeta, nu o vei învăța niciodată.

Toate aceste lucrări au fost desenate de mine fără ajutorul unei pipete. Poți începe cu ceva foarte simplu. Cu cât mai puțină culoare, cu atât mai bine.

8. Suprapunerea culorii peste gri

Am desenat această poză în 2011. Aceasta este o lucrare foarte emoționantă și chiar și acum îmi place foarte mult. Îmi amintesc că l-am pictat în gri și apoi am adăugat culoare folosind mai multe moduri de amestecare (Culoare, Suprapunere, Înmulțire). Apoi am avut o problemă - cum să obțin galben prin pictarea pe o scară de gri?

Nu mai am originalul, din păcate, dar iată cum arăta cel mai probabil această imagine în tonuri de gri. Observați că zonele galbene și verzi sunt la fel de întunecate. De fapt, nu este.

Când eram începător ca tine, credeam că lumina face toate culorile la fel de luminoase. La început m-am concentrat asupra umbrelor și abia apoi m-am gândit ce să fac cu culoarea. Dar acest truc nu a funcționat și a durat mult timp până mi-am dat seama care era problema.

Adevărul este că Culori diferite au o luminozitate independentă de lumină. Când ignori acest lucru, culorile sunt foarte noroioase. Își pierd proprietățile foarte importante atunci când le aplici direct pe gri.

9. Tonifiere folosind instrumentele Dodge și Burn

Instrumentele Dodge și Burn sunt toate favoritele începătorilor. Se potrivesc perfect sub Descriere Photoshop precum programele de desen. Trebuie doar să alegeți culoarea principală și apoi să evidențiați zonele de umbră. Orice altceva se face cu algoritmi complexi. Și asta e grozav, pentru că oricum nu știai. cum să o faci singur.

Dar nu totul este atât de simplu. Aceste instrumente nu sunt complet inutile, desigur, dar atunci când abia sunteți la început, cel mai bine este să stați departe de ele. Nu sunt menite să fie colorate. Instrumentul Dodge nu este același cu „adăugați lumini”, dar Burn este „adăugați umbre”. Doar că aceste instrumente sunt perfecte pentru înțelegerea acestor procese de către începători, motiv pentru care este atât de greu să eviți tentația.

Problema nu este în instrumentul în sine, ci într-o înțelegere greșită a principiilor de tonifiere. Începătorii cred adesea că un subiect are o anumită culoare și devine mai întunecat în umbră și mai deschis în lumină. Dar totul nu este atât de simplu. Acest principiu poate funcționa în animație, dar chiar și acolo este doar o soluție.

Dar dacă aceste tehnici par să funcționeze, atunci de ce să nu le folosești?

• Aceasta este o altă tehnică care vă încetinește progresul. Când folosești aceste metode, nici nu știi ce este în neregulă. Tonifierea este un proces complex și îl limitezi la unul singur principiu simplu. Photoshop ar trebui să funcționeze pentru tine, nu pentru tine. Nu lăsa asta să te împiedice să înveți.
• Acest lucru face ca obiectele să pară plate. Și nu contează cât de multă textură adăugați imaginii după aceea. Principiul de lucru cu aceste instrumente este același ca și cu pensulele - puteți începe cu ele, dar nu trebuie să terminați cu ele.
• Tu distorsionezi culorile; Culoarea unui obiect depinde foarte mult de mediu, dar nici Dodge, nici Burn nu știu nimic despre desenul tău. Nuanță totul după același principiu.

Tonifiere cu alb și negru

Esența acestei tehnici este că tonifierea se face datorită albului în zonele luminoase și a negrului în umbre. Această tehnică este rezultatul iluziei că fiecare culoare începe ca neagră (în umbră) și se termină ca albă (în lumină). Deși acest principiu poate funcționa în fotografie, este inutil în pictură.

Cu toții încercăm să găsim reguli simple care sunt ușor de reținut. Dar asta nu înseamnă că trebuie să inventăm reguli care nu există, cum ar fi adăugarea de alb pentru a-l face mai strălucitor și de negru pentru a-l face mai întunecat. Acest lucru funcționează doar pentru tonuri de gri!

Tonifiere monotonă

Când problema anterioară este eliminată, poate apărea una nouă. Să ne imaginăm că ai ales portocaliul ca culoare principală pentru munca ta. Ați decis ca sursa de lumină să fie afișată ca galben și lumina difuză ca albastră. Așa că tocmai ați schimbat tonul culorii de bază în galben în lumini și albastru în umbre. Acest lucru face ca procesul de tonifiere să fie mai interesant decât dacă ați folosi doar alb-negru, dar aceasta este din nou o soluție care nu vă va oferi rezultatul dorit.

De ce este aceasta o soluție? Deoarece lăsând doar trei culori cu care să lucrați, vă mutați automat toate obiectele într-un mediu nenatural în care orice culoare reflectorizantă este previzibilă 100%.

În realitate, lumina reflectă totul. Prin urmare, tonifierea poate fi rareori redusă la două sau trei culori.

Dacă iei în calcul acest lucru și folosești surse de lumină indirectă pentru a diversifica umbrele, vei începe să desenezi mai conștient - și asta e grozav!

10. Estompați cu o perie moale

Practic, începătorii estompează nuanțele în două moduri, concepute pentru a ușura munca:

1. Estomparea cu o perie moale
2. Încețoșare cu Instrumentul Smudge/Blur

După cum am înțeles deja, moduri rapide lucrările spun că nu controlezi procesul. Încețoșarea cu o perie moale face ca obiectul să pară plat și nefiresc de neted. Chiar dacă adaugi o textură foto, nu poți scăpa de „plasticitatea” imaginii. Din nou, această metodă poate fi folosită doar la început.

Dacă doriți un efect mai subtil, utilizați o perie mai grosieră, controlând fluxul cu presiunea stiloului (cu cât apăsați mai tare, cu atât cursa va fi mai puternică).

O astfel de perie vă va permite să utilizați cantitatea de culoare de care aveți nevoie.

Datorită acestui instrument, nu va mai trebui să estompați granițele dintre două culori. doar începeți cu o culoare de bază și o acoperiți cu una mai deschisă. Apoi puteți adăuga din ce în ce mai multe straturi, făcându-le din ce în ce mai dense.

Dacă trebuie să faceți estomparea mai netedă, alegeți o culoare între nuanțe și pictați pe margini.

Pentru a obține textură, utilizați o perie de textură (cu margini aspre).

Conform regulii 80-20, nu vă gândiți la estomparea în stadiile incipiente. Utilizați o perie mare, faceți marginile evidente, umbrele nenaturale.

După aceea, puteți folosi o perie mai mică și o perie de textură pentru a estompa marginile. Nu folosiți Smudge, o perie moale. Doar pipetă și perie grosieră cu variabilă curgere. Dar merită să ne amintim că aceeași metodă de anti-aliasing nu va funcționa în toate cazurile.

11. Utilizarea texturilor 2D pe forme 3D.

O fotografie cu textură este ultima speranță a începătorului atunci când obiectul este teoretic finisat, pictat și umbrit, dar arată totuși ca o jucărie de plastic. Dar, din păcate, textura în sine nu va face decât să înrăutățească lucrurile.

Să ne imaginăm că doriți să adăugați textură acestei imagini mari de pisică.

Trebuie să lucrați la umbre înainte de a adăuga textura. Partea dificilă este că nu este nevoie să pictezi complet peste el. Modul în care neteziți culorile depinde de textura pe care o alegeți - dacă o faceți fără o idee clară despre ce fel de textură va fi aplicată, atunci efectul dorit nu va fi atins.

Puteți descărca o textură de pe internet sau o puteți folosi pe cea deja în Photoshop - există o mulțime de ele. Aceasta este textura mea preferată - ușa de ecran inversată.

Daca te schimbi Modul de amestecare texturi pe acoperire, veți vedea cum textura este suprapusă peste umbre. Dar observați cum unele segmente au devenit mai ușoare. S-ar putea să vă placă acest lucru dacă nuanțarea nu a fost făcută corect, dar este doar o altă modalitate de a vă ușura munca. În cele mai multe cazuri, nu dorim ca textura să-și dicteze propriile umbre. Deși Overlay nu este cea mai bună soluție, dar vă permite să priviți cum va arăta textura obiectului.

Acum partea cea mai importantă, care este adesea trecută cu vederea. Dacă un obiect ar trebui să fie 3D, nu poate fi acoperit frumos cu o textură 2D. Trebuie să adaptăm textura la forma pe care o va acoperi. Există trei moduri principale de a face acest lucru - experimentați și alegeți-l pe cel care vă place cel mai mult:

• Instrumentul de transformare gratuit(Control-T) în modul Urzeală
• Filtru > Lichefiare
• Editare > Puppet Warp

Pentru o sferă cel mai bine este să utilizați Filtru > Distorsionare > Sferizare

Înainte de a utiliza Puppet Warp

După ce ați folosit Puppet Warp

Modul Suprapunerea îl face mai ușor zone ale stratului acoperite de partea albă a texturii. Putem folosi Multiply , (acest mod face zonele albe transparente), dar apoi culorile gradient (gri) vor deveni mai închise decât ar trebui să fie. Există așadar un alt mod ideal pentru reglarea transparenței.

Selectați stratul și setați Blend If . Puteți regla cu ușurință transparența albului și negru cu această funcție.

Ține alt, pentru a separa diapozitivele și pentru a obține un efect mai fin.

Acum trebuie să înțelegem ce este cu adevărat această textură. Nu este o imagine neuniformă suprapusă deasupra unui obiect. Aceasta este rugozitatea reală a suprafeței. Când lumina atinge o suprafață netedă, este distribuită uniform, dar dacă suprafața este neuniformă, lumina va crea o cantitate imensă de umbre. Aceasta este textura pe care o vedem.

Aici apare o altă concluzie. Lumina este cea care creează textura vizibilă - textura nu poate fi creată fără lumină. Altfel, ce este o umbră, dacă nu absența luminii? De aceea trebuie să reducem textura în zonele întunecate sau să o îndepărtăm cu totul (fără lumină - fără textură). Puteți utiliza o mască de strat în acest scop sau puteți lucra cu diapozitive Blend If. Amintiți-vă că golurile de textură sunt umbre, deci nu ar trebui să fie mai întunecate decât alte zone de umbră.

Aplicarea unei texturi este rapidă și ușoară, odată ce înțelegeți cum să o manipulați corect. Dar din nou, toate texturile sunt foarte diferite. Și în timp ce unele arată grozav atunci când sunt aplicate direct, majoritatea necesită multă muncă.

Regula 80-20 în acțiune. Adăugarea texturii este ușoară, dar a face ca aceasta să pară adecvată este o muncă care va dura mult timp. Astfel de lucruri necesită mult timp, dar aceste detalii sunt esențialul!

Prima textură este o textură plată în modul Overlay, a doua este același mod, dar cu modificări. Aceasta din urmă este deja varianta finală propusă.

Concluzie

După cum am observat, cele mai multe dintre problemele pe care artiștii începători le-au venit din dorința lor de a începe să deseneze grozav fără prea mult efort. Deci nu este atât o lipsă de abilități, ci mai degrabă o atitudine față de Photoshop ca o mașină de producție de artă. Acest lucru duce la faptul că cea mai mare parte a timpului este cheltuit nu pentru a învăța, ci pentru a căuta instrumente și trucuri.

Nu poți deveni artist digital peste noapte doar pentru că ai un program avansat. Photoshop este un instrument, mai convenabil decât pigmenții și pensulele, dar, din nou, doar un instrument. El nu poate face mai mult decât ceea ce îi dictați. Dacă doriți să începeți să vă bucurați de toate beneficiile programului, atunci tratați-l ca pe o pânză digitală cu vopsea digitală. Uitați de instrumente fanteziste, filtre, perii. Pictați doar așa cum ați picta pe o pânză.

Mulți oameni lucrează cu Photoshop pentru a crea fișiere grafice. Photoshop este cu adevărat universal, dar totuși utilizarea sa mai obișnuită nu este pentru simplu desen, ci pentru lucrul cu vizualizare.

Dacă îți place să desenezi personaje anime sau vrei să începi să faci asta, atunci buna alegere Se va bucura Paint Tool Sai. Este o aplicație grafică disponibilă pentru toată lumea, axată pe desen în primul rând în stilul Line Art. Anime și manga sunt desenate în acest stil, așa că utilizarea aplicației Sai Paint Tool a câștigat o popularitate imensă în rândul fanilor anime.

Cum se utilizează Paint Tool Sai

Să începem cu faptul că este destinat utilizării tabletei, dar funcționează mult mai rapid decât Photoshop-ul descris mai sus, pe care îl vei vedea imediat ce faci primii pași.

Deci, învățând să lucrați cu Paint Tool Sai:

• Desigur, ar trebui să începeți prin a instala programul. Pentru a face acest lucru, accesați site-ul oficial al Paint Tool Sai (http://www.systemax.jp/en/sai/ este potrivit pentru limba engleză) și descărcați-l pe computer sau tabletă.
• Aflați cum să utilizați instrumentul Paint Tool Sai în mod convenabil dintr-o schiță finită. Prin urmare, mai întâi fie desenați și scanați o schiță, fie găsiți o schiță potrivită fisier graficîn internet. Apoi deschideți-l în editorul Paint Tool Sai.
• Deschideți un nou strat. Butoanele pentru a face acest lucru în program pot fi găsite în mijlocul meniului din dreapta. Pentru comoditate, ne vom concentra din nou asupra limba engleza. Găsim „Layer” (Layer), apoi selectăm „New Layer” (New Layer) acolo.
• Apoi deschideți stratul pentru LineArt - mai întâi acolo în același „Layer”, apoi selectați „New Linework Layer”.
• Tot ceea ce ați făcut ar trebui să fie afișat pe ecran: Stratul 1- acesta va fi desenul original, Stratul 2- al doilea strat pe care l-ai deschis și Linework1— Strat pentru LineArt.
• Utilizarea Paint Tool Instrumentele grafice Sai nu este mai dificilă decât utilizarea Abobe Photoshop.
• Ca și în Photoshop, instrumentele vă vor facilita foarte mult munca, să zicem, Airbrush (aerografia) va face ușor să desenați un oval.

• Să încercăm să încercuim imaginea originală. Pentru aceasta, se folosește instrumentul Curbe - schițăm fie întreaga schiță, fie ceea ce considerăm necesar. Dacă doriți ca schița să nu interfereze, o puteți opri periodic - vă va ajuta să faceți clic pe pictograma ochiului, care este ușor de găsit în panoul de straturi.
• Dacă linia a apărut în ceva diferit decât aveți nevoie, faceți clic pe „Editați” și remediați-o opțiunea dorită. De asemenea, puteți corecta defectele de schiță în Paint Tool Sai - prin modificarea grosimii liniilor, corectați toate inexactitățile.

• Pentru colorare, utilizați instrumentul Bagheta magică (în cazurile dificile, folosiți ca alternativă stiloul Sel).
• În primul rând, va fi convenabil să colorați cele mai semnificative părți ale imaginii. După aceea, mergeți la stratul de jos și pictați toate detaliile mici. Apoi, pentru frumusețe și atingeri finale, întoarceți-vă la stratul de linii și conturați liniile de umbră. Apoi terminați luminile și pictați umbrele.

Instrucțiunile de mai sus sunt suficiente pentru a începe să utilizați Program de vopsea Instrumentul Sai. Studiile mai detaliate ale tehnicilor de desen și capacitățile instrumentelor individuale sunt ușor de stăpânit în viitor, după cum este necesar.

Distrează-te desenând anime!

Dacă nu puteți face ceva pe cont propriu, atunci vă sfătuim să contactați ajutorul computerului ambulanței - pchelp24.com, prețuri rezonabile, specialiști cu experiență, apel gratuit și diagnosticare.

Un editor grafic destul de popular poate fi numit Paint Tool Sai. În ciuda gradului ridicat de competiție pe care Adobe l-a stabilit în vector și grafică raster, această aplicație are propriul său cerc mare de admiratori.

Merită să luăm în considerare momentul în care editorul grafic în cauză este mai mult destinat desenului, și nu procesării imaginilor. De aceea, vom lua în considerare cum să folosim corect funcționalitatea editorului la crearea desenelor.

Cum să lucrați corect în editorul Paint Tool Sai este o întrebare destul de comună, în ciuda interfeței clare, intuitive și a rusificării complete a aplicației.

Ce sunt straturile Paint Sai și pentru ce sunt acestea?

Baza aproape tuturor editorilor grafici puternici poate fi numită utilizarea unui sistem de straturi. Ea este cea care vă permite să obțineți rezultate neobișnuite. Pentru a realiza toate posibilitățile unui editor grafic, ar trebui să înțelegeți caracteristicile desenului folosind straturi:

• Fiecare strat este o pânză separată pe care o imagine poate fi creată independent de imaginile de pe alte straturi.
• Straturile pot fi mutate și grupate pentru ușurință în utilizare.
• Puteți crea un număr nelimitat de straturi, iar toate acestea vor aparține aceluiași proiect.

Toate punctele de mai sus determină doar caracteristicile utilizării straturilor, dar nu și esența scopului lor. Pentru a înțelege cum funcționează unul dintre cele mai importante instrumente, să ne uităm la procesul de desen în sine.

Cum poate fi folosit instrumentul în cauză în Paint Tool Sai?

Când luați în considerare caracteristicile aplicării acestui instrument, ar trebui să vă imaginați mai multe foi de hârtie care se află una peste alta. Pe fiecare dintre straturi există un anumit tip de informații grafice. Programul vă permite să mutați foile virtuale una față de alta. Cu toate acestea, în Mod normal acest lucru nu va face nimic, deoarece doar imaginea care este situată pe stratul cel mai de sus va fi vizibilă.

Pentru ca sistemul de straturi să aibă sens, a fost adăugată o funcție pentru a schimba transparența fiecărui strat. Acum, când trag mediu virtual puteți schimba transparența, gradul de umplere al fiecărui strat, ceea ce vă permite să obțineți un efect destul de neobișnuit.

De asemenea, puteți utiliza diverse metode mixarea, care mărește și posibilitățile artistului. Este destul de dificil să se realizeze astfel de condiții de lucru atunci când se desenează pe hârtie reală, deoarece gradul de transparență se obține prin utilizarea hârtiei de densitate diferită.

O metodă similară de desen este implementată în aproape toate editori grafici. În același timp, remarcăm momentul în care conceptul de straturi poate fi găsit în multe programe care sunt concepute să funcționeze într-un mediu virtual.

Prin urmare, atunci când stăpâniți funcționalitatea editorului grafic în cauză, ar trebui să începeți prin a utiliza un bloc special de instrumente dedicate plasării, grupării, gestionării și configurarii straturilor unui anumit proiect.

Acest bloc de instrumente implicite în acest caz este situat în colțul din stânga jos și ocupă destul de mult spațiu. Deasupra câmpului cu numele și locația straturilor sunt comenzi care vă permit să configurați stratul activ. Pentru a trece de la pânză la pânză, selectați-o.

În concluzie, atunci când luați în considerare modul de utilizare a Paint, ar trebui să luați în considerare: cu atât de multe funcții și instrumente, există un factor care determină rezultatul final - priceperea și talentul artistului însuși. Prin urmare, toate instrumentele sunt ușor de utilizat, dar necesită o manipulare adecvată.

ÎN Photoshop totul se citește din selectarea dimensiunii pânzeiȘi rezoluția imaginii.

dimensiunea pânzei

Dimensiuni la desen

Pentru schiță- 800 x 800.

– 1500 x 1500

– 3000 x 2000

În mod normal:

În domeniile LăţimeȘi lungime

ÎN Photoshop totul se citește din selectarea dimensiunii pânzeiȘi rezoluția imaginii.

Toată lumea va beneficia dacă știe cum să creeze un document marimea corecta, sau redimensionați imagine deschisăîn photoshop.

Chiar și când desenez, folosesc funcții pentru a schimba dimensiunea pânzei. De obicei, începe să desenezi o schiță pe o pânză despre

Dimensiuni la desen

Pentru schiță- 800 x 800.

Pentru desen cu culoare și umbre– 1500 x 1500

Pentru imaginea finală cu detalii– 3000 x 2000

Treptat, trecând de la o schiță la o imagine detaliată, schimb dimensiunea pânzei la o dimensiune de rezoluție mai mare.

De ce să nu creați imediat 3000 x 3000 și să nu faceți baie? Desigur, este vorba despre performanța și încetineala computerului. Cu o dimensiune atât de mare, ce să spun.... Photoshop economisește câteva minute.

Unde să schimbați dimensiunea (Dimensiunea imaginii...)?

În mod normal:

Imagine – Dimensiunea imaginii... (Alt + Ctrl + I)

În domeniile LăţimeȘi Înălțimea poate fi setată după cum este necesar lungimeși înălțimea (în pixeli sau centimetri). Când modificați una dintre valori, a doua se va ajusta pentru a menține proporțiile imaginii originale.

Aceste actiune rapida ideal dacă nu este obligat să se rupă proporțiile dintre lungimea și înălțimea pânzei.

Pentru modificări de înălțimeȘi lungime sunt altele la fel ca instrumente simple despre care voi scrie în postarea următoare.

Pentru a crea imagini frumoase pe un computer, puteți folosi editori grafici tipuri variate. Multă vreme, produsele Adobe au fost foarte populare și nu existau oferte alternative.

După ceva timp, a apărut programul Paint Tool Sai, care are și un set destul de bun de funcții și capabilități. Luați în considerare cum să utilizați Paint Tool Sai și pentru ce a fost creat acest editor grafic.

Scopul editorului grafic în cauză

Toate programele au o specializare restrânsă sau sunt mai potrivite pentru rezolvarea anumitor probleme. Programul în cauză a fost creat de programatori japonezi pentru a permite tuturor proprietarilor de PC-uri și dispozitive tactile a desena imagini frumoase, întruchipați-vă ideile și fantezia pe hârtie virtuală.

Astfel, putem spune că programul vă permite să desenați imagini folosind instrumente virtuale. Este rar folosit pentru procesarea fotografiilor și a imaginilor deja existente, ceea ce se datorează unui set insuficient de instrumente.

În general, putem spune că un editor grafic este o foaie virtuală de hârtie și un număr destul de mare de instrumente care pot fi folosite pentru a aplica vopsea virtuală pe o pânză. De asemenea, au funcții suplimentare, permițându-vă să simplificați sarcina de a desen și să obțineți rezultate neobișnuite. Să ne uităm la un exemplu despre cum să utilizați Paint Tool Sai pentru a crea o imagine normală.

Procesul de desen în Paint Tool Sai

După cum sa menționat anterior, programul în cauză a fost creat pentru a le permite oamenilor să-și exprime imaginația pe o pânză virtuală. Desigur, chiar și un artist cu experiență vastă, care trece de la o pânză reală la una virtuală, nu va putea imediat să realizeze pe deplin capacitățile programului. Prin urmare, unii oameni îl consideră inutil. Totuși, acest lucru nu este așa.

Procesul de desen este complet identic cu cel atunci când utilizați o pânză reală. Pentru a face acest lucru, trebuie doar să aveți un dispozitiv tactil suficient de de înaltă calitate, care este capabil să recunoască forța de apăsare a stiloului. Procesul de desenare este simplu:

După aceea, instrumentul este complet gata de utilizare și puteți începe să aplicați măști sau linii. Ca și în alte programe, este posibil să anulați acțiunile sau să corectați rezultatul folosind radiera. Cu toate acestea, acest program are un set destul de slab de măști, care sunt, de asemenea, destul de des folosite la editarea fotografiilor.

Când vă gândiți la modul de utilizare a programului Paint Tool Sai, se poate observa, de asemenea, că există destul de un numar mare diverse setari, care vă permit să controlați funcționarea instrumentelor selectate.

Este posibil să alegeți tipul de perie și așa mai departe. Pentru confortul utilizării programului în timpul lucrului, a fost creată o combinație de taste rapide, care, dacă este necesar, pot fi reconfigurate pentru dvs. Alte instrumente importante ale programului, care nu au legătură cu procesul de desen, dar pot fi folosite pentru a obține un rezultat neobișnuit, sunt implementate în același mod ca și în alte editori grafici de acest tip. Prin urmare, va fi destul de simplu să treceți la cel considerat.