Rysowanie cyfrowe może być bardzo trudne. Wygląda na to, że się załadowało odpowiedni program i możesz zacząć malować. Każde narzędzie w Twoich rękach. Wszystkie kolory są gotowe do użycia, nic nie trzeba mieszać. Jeśli zacząłeś używać Photoshopa, mając już umiejętności rysowania, wszystko nie jest takie trudne: wystarczy znaleźć dobry zamiennik dla swoich ulubionych narzędzi. Ale jeśli dopiero zaczynasz poznawać każdą z tych sztuk, wszystko staje się koszmarem.

Photoshop jest zwodniczo prosty: oto zestaw pędzli, oto wszystkie kolory, gumka, przycisk Anuluj. Zaczynasz rysować, wszystko wygląda bardzo źle, zaczynasz szukać obejść, które pomogą ci narysować coś lepszego. I spójrz, ile narzędzi! Zaczynasz próbować wszystkiego, jedno po drugim, i tyle – dzieje się magia!

Ale cała „magia” polega na tym, że Photoshop rysuje dla Ciebie. Nie masz kontroli nad tym procesem, ale wynik wygląda lepiej niż to, co ty – zwykły początkujący – mógłbyś kiedykolwiek zrobić (przynajmniej tak myślisz). Pracujesz dalej, mając nadzieję, że wszystkie te obrazy pewnego dnia zamienią się w dzieła sztuki.

Profesjonalni artyści cyfrowi, których podziwiasz, używają Photoshopa, aby ożywić swoją wizję świata, ale używają go tylko jako narzędzia, a nie jako maszyny do tworzenia sztuki.

Profesjonaliści wyobrażają sobie wynik i sprawiają, że program go realizuje. Początkujący zmuszają program do zrobienia czegoś i jeśli są usatysfakcjonowani, przywłaszczają sobie wynik.

1. Nieprawidłowy rozmiar płótna

Nawet dziecko poradzi sobie z tworzeniem nowego pliku. idziesz do Plik > Nowy lub, jeśli jesteś wystarczająco zaawansowany, użyj Control+N. Ten proces wydaje się bardzo prosty, więc często pozostaje niezauważony.

Z tym paragrafem wiążą się trzy problemy.

1. Za małe płótno

Tak jak wszystkie obiekty składają się z atomów, tak każdy obraz cyfrowy składa się z pikseli. Prawdopodobnie już to wiesz. Ale ile dokładnie pikseli potrzebujesz, aby stworzyć szczegółowy obraz? 200×200? 400×1000? 9999×9999?

Początkujący często błędnie używają rozmiaru płótna zbliżonego do rozdzielczości ekranu. Ale problem polega na tym, że nie możesz wiedzieć na pewno z którego ekranu inne osoby patrzą na Twój obraz.

Wyobraźmy sobie, że Twój obraz wygląda na ekranie jak w przykładzie 1. Wysokość tego obrazu jest idealna dla Twojego ekranu. Wszystko jest ustawione na maksymalną rozdzielczość ekranu, 1024x600. Użytkownicy o rozdzielczości 1280x720 (2) i 1366x768 (3) również nie mają na co narzekać. Ale spójrz, co się stanie, jeśli rozdzielczość ekranu będzie jeszcze wyższa - 1920x1080 (4) i 1920x1200 (5). Konsekwentnie obraz zajmuje coraz mniej miejsca na ekranie.

I nie chodzi tylko o „białą przestrzeń” wokół obrazu. „Wysoka rozdzielczość” niekoniecznie oznacza to samo, co „duży ekran”. Ekran smartfona może mieć więcej pikseli kompaktowy ekran niż niektórzy komputery osobiste! Tylko spójrz:

1. Ten sam rozmiar, inna rozdzielczość

2. inny rozmiar, ta sama rozdzielczość

Co to znaczy? Jeśli chodzi o inne, Twój obraz, który miał idealnie wpasować się w ekran, wyglądałby mniej więcej tak:

Ale rozmiar płótna ma z tym więcej wspólnego. Im wyższa rozdzielczość, tym więcej pikseli na obrazie. Przy niskiej rozdzielczości oko może zająć 20 pikseli. gdy jest wyższy - może mieć ponad 20 000 pikseli! Wyobraź sobie, jakie wspaniałe detale można dodać!

Oto mała sztuczka dla Ciebie: kiedy rysujesz coś małego, ale w wysokiej rozdzielczości, nawet jeśli trochę niedbale, to ten obraz wygląda bardzo ciekawie z daleka. Spróbuj!

Wysoka rozdzielczość pozwala zobaczyć najdrobniejsze szczegóły

2. Płótno za duże

Czy to oznacza, że ​​zawsze powinieneś używać wysoka rozdzielczość mieć pewność jakości? Teoretycznie tak. W praktyce nie zawsze jest to konieczne, a czasem wręcz niemożliwe.

Im wyższa rozdzielczość, tym więcej pikseli ma najprostsze pociągnięcie. Im więcej pikseli w obrysie, tym trudniej programowi je przetworzyć. Oto argument przeciwko dużemu płótnu - potrzebujesz dużo potężny komputer do wygodnej pracy w bardzo wysokich rozdzielczościach.

Drugim argumentem jest to, że wysoka rozdzielczość jest w większości potrzebna tylko w przypadku bardzo szczegółowych obrazów. Chociaż to błędne przekonanie jest bardzo powszechne wśród początkujących, nie wszystkie obrazy muszą być szczegółowe. Nawet jeśli chcesz narysować coś realistycznego, możesz spokojnie zignorować ogromną ilość szczegółów na zdjęciach. To, co widzimy, nie zawsze wygląda jak fotografia.

Kiedy rozdzielczość jest większa niż potrzeba, perspektywa dodania czegoś tu i tam wydaje się bardzo atrakcyjna. A kiedy zaczniesz to robić, nie ma odwrotu. Istnieją różne poziomy szczegółowości, ale każdy obraz powinien używać tylko jednego. Jeśli chcesz stworzyć szybki, płynny obraz, nie trać czasu na rysowanie oka lub nosa - sprawi to, że cały obraz będzie wyglądał na niedokończony i niechlujny.

3. Rozmiar gotowego obrazu jest za duży

Załóżmy, że znalazłeś idealną rozdzielczość dla swojego obrazu. Nie jest ani za duży, ani za mały — rozmiar idealnie dopasowany do pożądanego poziomu szczegółowości. Ale tutaj też możesz popełnić błąd. Poprzednia rezolucja działała. Użyłeś wielu pikseli, aby uzyskać szczegóły oka, ale zły rozmiar Twoje wysiłki będą widoczne nawet z daleka.

Po co pozwalać innym widzieć te szczegóły... Jeśli możesz sprawić, by widzieli tylko to, co powinno być zauważalne?

Przed zapisaniem obrazu zmień jego rozmiar. Optymalna rozdzielczość pasujący do każdego rysunku, nie. Jest mała zasada: im bardziej szczegółowa praca, tym mniej gubi się w wysokiej rozdzielczości. Jeśli obraz jest trochę niewyraźny, lepiej wygląda w małej rozdzielczości. Jeśli chcesz lepiej zrozumieć tę zasadę, spójrz, jakiej rozdzielczości używa Twój ulubiony artysta, gdy przesyła swoje prace.

Jeszcze jedno: podczas zmiany rozmiaru obrazu sprawdź, który domyślny rozmiar działa najlepiej. Niektórzy mogą sprawić, że obraz będzie bardzo precyzyjny, co może Ci się podobać lub nie.

2. Praca z białym tłem

Może się to wydawać nieistotne — co jest nie tak z białym tłem? To coś neutralnego, prawda? Wygląda jak kartka papieru.

Problem w tym, że nie ma „neutralnego” koloru. Przejrzystość jest bardzo bliska, ale niemożliwa do narysowania. Kolor jest tym, czym jest kolor. Kiedy między nimi są używane dwa kolory, pewne relacja. Dla biały + kolor A - relacja: „kolor A jest ciemniejszy”. Nie ma znaczenia, jakie były twoje intencje, zaczniesz od ciemnego koloru, ponieważ najjaśniejszy kolor jest już w twoim tle! Wszystkie kolory są ciemniejsze niż białe.

Jasność dowolnego odcienia zależy od tła.

Zwykle w rysunku używamy białe tło, ponieważ technicznie łatwiej jest użyć ciemnego koloru na jasnym tle niż na odwrót. Ale w rysunku cyfrowym nie ma takiej potrzeby. Właściwie możesz zacząć od czarnego tła, ale to równie zły pomysł, jak rozpoczęcie od czystej bieli. W praktyce najbardziej neutralnym kolorem jest szary przy 50% jasności.

Czemu? Ponieważ kolor tła wpływa na postrzeganie innych kolorów. Na białym tle ciemne odcienie będą ciemniejsze, więc staraj się ich unikać. Na czarnym tle zasada jest taka sama, tylko dla jasnych kolorów. Rezultatem jest słaby kontrast, który staje się widoczny, gdy tylko tło zostanie zastąpione. Oto dowód dla Ciebie:

Doświadczeni artyści mogą zacząć od dowolnego koloru i uzyskać pożądane rezultaty, ale jeśli nie jesteś zbyt obeznany z teorią koloru, zawsze zaczynaj od czegoś neutralnego — nie za ciemnego i nie za jasnego.

3. Brak kontrastu

Oczywiście czasami postrzeganie kolorów może być osłabione ze względu na jakość ekranu. Jeśli korzystasz z laptopa, prawdopodobnie wiesz, jak kontrast obrazu zmienia się pod różnymi kątami. Jak zatem osiągnąć wymagany kontrast, który będzie wyglądał tak samo na wszystkich ekranach?

Nawet jeśli wszystko jest w porządku z twoim ekranem, po dłuższym wpatrywaniu się w ekran twoje postrzeganie obrazu jest stronnicze. Jeśli zmieniałeś odcienie stopniowo, krok po kroku, kontrast może wydawać się całkiem dobry. Ale to tylko dlatego, że w ten sposób obraz wygląda lepiej niż pięć kroków temu. Na przykład poniższa praca wygląda dobrze...

… ale tylko dopóki nie porównasz go z obrazem o wyższym kontraście. A kto wie, nagle, gdy porównasz nowy obraz z innym, znowu nie będzie miał wystarczającego kontrastu?

Photoshop ma narzędzie, które bardzo Ci w tej sytuacji pomoże. Nazywa się to poziomami i jest to histogram, nawiasem mówiąc. Pokazuje, jaka część każdego odcienia została wykorzystana na obrazie. Możesz otworzyć ten ekran za pomocą Obraz > Dopasowania > Poziomy lub używając Kontrola L.

Jak to działa? Spójrz na te cztery przykłady:

• Niemal jednakowa ilość bieli, czerni i półtonów.
• Tylko czarne i ciemne odcienie
• Tylko białe i jasne odcienie
• Tylko biel i czerń, prawie bez półtonów

Czy możesz to odczytać z histogramu?

Możesz zmieniać poziomy, przesuwając suwaki. Nie tylko zmniejszysz liczbę odcieni, ale także pomożesz programowi prawidłowo je rozmieścić na histogramie.

Histogram pokazuje, że na tym obrazie jest dużo półcieni, a jednocześnie jest bardzo mało jasnych i ciemnych obszarów. Nie ma znaczenia, jak widzimy rysunek, tak mówi nam komputer. Oczywiście nie ma idealnego przepisu na pracę z poziomami (wszystko zależy od jasności samego obrazu), ale absolutny brak ciemnych i jasnych obszarów to zły znak.

Spójrz tylko, co się stanie, jeśli przesuniemy suwak na środek!

Czy istnieje sposób na użycie odpowiednich odcieni od samego początku? Tak, i zajmie to mniej czasu! Musisz zacząć używać mniejszej liczby odcieni – ciemnych, jasnych, półtonów oraz trochę bieli i czerni.

Aby wykorzystać tę wiedzę w praktyce, zanim zaczniesz rysować, nakreśl oświetlenie na kuli:

• Narysuj okrąg i wypełnij go najciemniejszym odcieniem (czarny nie jest zalecany)
• Dodaj półton
• Dodaj najjaśniejszy odcień (biały nie jest zalecany)
• Dodaj jeden lub dwa półtony
• Dodaj trochę czerni i bieli

Widzisz, jak te kolory są ułożone na histogramie? Kiedy je połączymy, tak się dzieje. Użyj tej sfery jako gamma, aby stworzyć swój rysunek, rysując cienie w tej samej kolejności: najciemniejszy odcień, półcienie, najjaśniejsze, więcej półcieni, ciemne i jasne odcienie. Teraz możesz to wygładzić.

Kolejna wskazówka - jeśli ponownie porównasz te dwie głowy (narysowane z odpowiednim kontrastem i skorygowane), zauważysz różnicę. Zwiększenie kontrastu nie naprawi wszystkich błędów, jeśli nie poświęciłeś na to wystarczająco dużo czasu od samego początku - każdy element ma swój własny zestaw odcieni. Na przykład najciemniejszy obszar na białej powierzchni będzie znacznie jaśniejszy niż najciemniejszy obszar na czarnej powierzchni. Oznacza to, że musisz przygotować tyle kulek, ile masz różnych elementów.

Pamiętaj: malowanie cieni jasnych obiektów ciemnymi odcieniami jest tak samo złe, jak malowanie ciemnych obiektów jasnymi odcieniami.

4.Zbyt wiele skomplikowanych pędzli i dużych pociągnięć

Porównując tradycyjne pędzle do pędzli Photoshopa, różnica jest tak oczywista, że ​​nie zawsze jest jasne, dlaczego mają taką samą nazwę. W końcu klasyczne pędzle pozwalają na malowanie tylko mniej lub bardziej chaotycznych pociągnięć, podczas gdy cyfrowe pędzle same tworzą dzieło sztuki.

Tu zaczyna się zabawa. Jeśli coś powstaje samo z siebie, tracisz wszelką kontrolę nad pracą. Profesjonalni artyści używają głównie prostych kresek, tylko od czasu do czasu zwracają się o pomoc do bardziej skomplikowanych. Używanie skomplikowanych pędzli nie tylko rozleniwia, ale także uniemożliwia nauczenie się samodzielnego uzyskiwania efektu.

Kiedy dopiero zaczynasz pracę z rysowaniem cyfrowym, normalne jest szukanie sposobów, aby jak najszybciej zobaczyć postęp. Chcesz zobaczyć wynik tu i teraz. A pędzle stają się oczywistym rozwiązaniem. Chcę futra - oto szczotka do futra dla ciebie; Chcę pędzel - oto pędzel do pędzla. Jeśli nie możesz czegoś narysować, po prostu pobierz pędzel, który zrobi to za Ciebie.

Dodatkowe pędzle do Photoshopa nie zawsze są złe – wręcz przeciwnie, są bardzo przydatne. Problem pojawia się tylko wtedy, gdy używasz go jako bazy dla swoich „umiejętności”. Jeśli poświęcisz trochę czasu na naukę szybkiego rysowania futra, zdasz sobie sprawę, że tak naprawdę nie musisz rysować każdego włosa, aby uzyskać ten efekt. Stałoby się dla ciebie jasne, że sposób, w jaki postrzegamy niektóre rzeczy, nie zawsze odpowiada rzeczywistości. Nauczyłbyś się patrzeć, a następnie odtwarzać to, co widzisz, a nie to, co myślisz, że widzisz.

Zamiast tego wolisz zrezygnować po spędzeniu pół godziny na pracy nad jednym włosem i szukaniu pędzla, który wykona zadanie za Ciebie. Znalazłeś to, jesteś szczęśliwy i gotowy, aby ruszyć dalej. Ten proces jest tak prosty, że łatwo staje się nawykiem i przestajesz się uczyć – dlaczego, skoro istnieje prostszy sposób?

Ale jak tradycyjni artyści radzą sobie z tym problemem? Nie mają takiej różnorodności pędzli. Jak rysują futro? Odpowiedź jest prosta - w taki sam sposób, w jaki byś użył, gdybyś nie miał pędzla. Jeśli chcesz poprawić swoje umiejętności, będziesz musiał przełamać klątwę wszystkich początkujących artystów i na jakiś czas zrezygnować z dodatkowych pędzli. Zacznij od prostego zestawu, takiego jak ten i dowiedz się, jak korzystać z tych pędzli. Nie szukaj łatwych sposobów, pracuj nad tym, a zamiast tanich sztuczek zyskasz bezcenne doświadczenie.

5. Zbyt duży skok

Jeszcze jeden powszechny błąd związane z pędzlami jest używanie zbyt dużych pociągnięć. I znowu winna jest niecierpliwość. Ogólna zasada jest taka, że ​​80% pracy zajmuje 20% wysiłku, co oznacza, że ​​80% czasu należy poświęcić na wykończenie obrazu. Jeśli wykonałeś szkic, bazę, wybrane kolory i pracowałeś nad prostymi cieniami w dwie godziny, wiedz, że masz przed sobą osiem godzin pracy. Co więcej, w ciągu tych ośmiu godzin postęp będzie mniej zauważalny niż w ciągu pierwszych dwóch godzin.

Staje się to szczególnie widoczne, gdy spojrzymy na zdjęcia z pośredniego procesu pracy, które publikują artyści, takie jak ten. Pierwsze kroki są po prostu ogromne – coś powstaje z niczego. Następnie proces zwalnia. Ledwo widać różnicę między ostatnimi krokami choć zajęło im to dużo czasu.

W tym tkwi cały problem. Gdy Twój obraz jest prawie gotowy, chcesz go szybko ukończyć i cieszyć się efektem końcowym. Ale w rzeczywistości jest to dokładnie ten moment, w którym cała praca dopiero się zaczyna! Pamiętam komentarz pod jednym ze zdjęć procesu pośredniego: „Zatrzymałbym się na kroku 4” (z 10). Na tym polega różnica między profesjonalistą a początkującym! Bo koniec reguły mówi: te ostatnie 20% pracy to 80% całkowitego wyniku.

Rozwiązanie tego problemu jest bardzo proste. Twoja praca nie musi kończyć się dużymi uderzeniami. Powinny być używane na początku, w ilości 20% całości pracy. Użyj ich, aby stworzyć kształt, ustawić światło, dodać kolor. A następnie stopniowo zmniejszaj rozmiar, powiększaj obraz, usuwaj, dodawaj szczegóły. Będziesz wiedział, że praca jest wykonana, gdy zaczniesz pracować bardzo małym pędzlem na bardzo dużej powierzchni. Ogólnie rzecz biorąc, im więcej miejsca dotyka pędzel, tym bardziej wykończona praca.

A teraz najlepsza część tej zasady. Ponieważ 80% prac nie wpływa znacząco na efekt końcowy, nie ma potrzeby poświęcać im dużo czasu. Zacznij szybko i oszczędzaj energię na później. Pamiętaj, że nie każdy obraz musi być ukończony tylko dlatego, że go zacząłeś. Eliminując projekty, którymi się nie interesujesz, zaoszczędzisz cztery razy więcej czasu, niż już poświęciłeś!

6. Za dużo koloru

Tradycyjni artyści nie mają zbyt wielu kolorów, których mogliby użyć od razu. Muszą nauczyć się tworzyć, mieszać je, aby osiągnąć pożądany efekt. Nie mają wyboru – muszą nauczyć się teorii kolorów. Ty, nawet jako początkujący, masz już pod ręką wszystkie kolory. A to prawdziwa kara!

Nie rozumiemy kolorów, ponieważ nie ma ich w naszym codziennym życiu. Ale jako artysta musisz całkowicie zmienić swój stosunek do koloru. Powinieneś przestać myśleć o kolorze w zwykły sposób i zacząć rozumieć takie pojęcia, jak odcień, nasycenie i jasność.

Kolory nie istnieją same w sobie. Zależą od siebie. Powiedzmy, że jeśli chcesz rozjaśnić kolor, możesz wybrać jaśniejszy kolor lub zmniejszyć jasność tła. Czerwień staje się cieplejsza lub zimniejsza w zależności od otoczenia. Nawet nasycenie kolorów może się zmienić!

Początkujący niezaznajomieni z tymi zasadami zaczynają malować losowo wybierając kolory, które mogą w ogóle do siebie nie pasować: biorą niebieski, dodają zielony, a wszystko to bez najmniejszego pojęcia, co wybrali.

Oto jak początkujący widzi kolory:

1. Niebieski
2. zamglony niebieski
3. Szary
4. Czarny

Ale po co nam taka różnorodność odcieni, skoro są tak bezużyteczne? Problem w tym, że tak nie jest. Musisz tylko zacząć rozumieć, skąd pochodzą i co oznaczają. Spójrzmy na te same kolory oczami profesjonalisty:

1. nienasycony niebieski
2. Intensywny niebieski
3. Jasnoniebieski
4. Ciemny niebieski

Wygląda na mylące, prawda? Ale to nie znaczy, że nie możesz tego wszystkiego zignorować! Jeśli uważasz, że to zbyt wyczerpująca praca, popracuj przez chwilę z kolorem szarym. Kolory (lub tony) są jak wisienka na torcie. Potrafi sprawić, że ciasto będzie słodsze, ale nie może być jego podstawą. Żadna ilość lukru nie naprawi złego ciasta.

7. Kopiowanie koloru ze źródła

Bardzo trudno jest zwalczyć tę pokusę. Bardzo dobrze to rozumiem. Ale z drugiej strony, jeśli naprawdę chcesz nauczyć się rysować cyfrowo, nie powinieneś używać Kroplomierza.

Początkujący najczęściej używają słabo nasyconego pomarańczu/różu jako koloru skóry, ale ten efekt jest bardzo daleki od rzeczywistości. Ale jeśli użyjesz źródła... to zupełnie inna historia! Prawie każdy piksel ma inny odcień, nie tylko różowy - łatwo znajdziesz czerwony, pomarańczowy, fioletowy, zielony, niebieski. Nasycenie i jasność zmieniają się za każdym razem, ale efektem końcowym nie jest chaos.

Kiedy czerpiesz kolor ze źródła, rysunek nabiera nowego życia. Problem w tym, że taka praca niczym nie różni się od kopiowania. Rezultat może wyglądać świetnie, ale nie możesz sobie przypisywać zasługi za pracę.

I jeszcze jedno: ten proces powstrzymuje Cię przed robieniem postępów. Można powiedzieć, że „kupujesz” zestaw kolorów, zamiast uczyć się, jak je dopasowywać. Masz własne koło kolorów ze wszystkim, czego potrzebujesz: każdy kolor, który wybierzesz ze źródła, możesz samodzielnie odtworzyć. Ale nadal wolisz używać kolorów, które są już na oryginale - szybko i bardzo efektywnie.

Aby przestać stale polegać na źródle, musisz nauczyć się widzieć kolory. Spójrz na dowolny obiekt - jaki jest ton, nasycenie, jasność tego obiektu? Bardzo trudno powiedzieć, prawda? Ale jeśli będziesz wybierał właściwy kolor za pomocą zakraplacza, nigdy się go nie nauczysz.

Wszystkie te prace zostały narysowane przeze mnie bez pomocy pipety. Możesz zacząć od czegoś bardzo prostego. Im mniej koloru, tym lepiej.

8. Kolor nakładki na szary

Narysowałem to zdjęcie w 2011 roku. To bardzo wzruszająca praca i nawet teraz bardzo mi się podoba. Pamiętam, że malowałem go na szaro, a następnie dodawałem kolor za pomocą kilku trybów mieszania (Kolor, Nakładka, Pomnóż). Wtedy miałem jeden problem - jak uzyskać kolor żółty poprzez zamalowanie skali szarości?

Niestety nie mam już oryginału, ale tak najprawdopodobniej wyglądał ten obraz w skali szarości. Zauważ, że żółte i zielone obszary są równie ciemne. Właściwie tak nie jest.

Kiedy byłem początkujący, tak jak ty, wierzyłem, że światło sprawia, że ​​wszystkie kolory są jednakowo jasne. Początkowo koncentrowałam się na cieniach, a dopiero potem zastanawiałam się, co zrobić z kolorem. Ale ta sztuczka nie zadziałała i minęło dużo czasu, zanim zrozumiałem, o co chodzi.

Fakt jest taki różne kolory mieć jasność niezależną od światła. Kiedy to zignorujesz, kolory są bardzo mętne. Tracą swoje bardzo ważne właściwości, gdy nakłada się je bezpośrednio na szarość.

9. Tonowanie za pomocą narzędzi Rozjaśnianie i Przypalanie

Narzędzia Dodge i Burn są ulubionymi narzędziami początkujących. Pasują idealnie pod Opis Photoshopa jak programy do rysowania. Wystarczy wybrać główny kolor, a następnie podświetlić obszary cienia. Cała reszta odbywa się za pomocą złożonych algorytmów. I to świetnie, bo i tak nie wiedziałeś. jak to zrobić samemu.

Ale nie wszystko jest takie proste. Oczywiście te narzędzia nie są całkowicie bezużyteczne, ale kiedy dopiero zaczynasz, najlepiej trzymać się od nich z daleka. Nie są przeznaczone do przyciemniania. Narzędzie Rozjaśnianie to nie to samo, co „dodaj światła”, ale Ściemnianie to „dodaj cienie”. Tyle, że te narzędzia są idealne do zrozumienia tych procesów przez początkujących, dlatego tak trudno jest uniknąć pokusy.

Problem nie tkwi w samym narzędziu, ale w niezrozumieniu zasad tonowania. Początkujący często myślą, że obiekt ma określony kolor i staje się ciemniejszy w cieniu i jaśniejszy w świetle. Ale wszystko nie jest takie proste. Ta zasada może działać w animacji, ale nawet tam jest to tylko obejście.

Ale jeśli te techniki wydają się działać, to dlaczego ich nie użyć?

• To kolejna technika, która spowalnia Twoje postępy. Kiedy używasz tych metod, nawet nie wiesz, co jest nie tak. Tonowanie to złożony proces, który ograniczasz do jednego prosta zasada. Photoshop powinien działać dla Ciebie, nie dla Ciebie. Nie pozwól, aby powstrzymało Cię to od nauki.
• To sprawia, że ​​obiekty wydają się płaskie. I nie ma znaczenia, ile tekstury dodasz później do obrazu. Zasada pracy z tymi narzędziami jest taka sama jak z pędzlami – można od nich zacząć, ale nie trzeba na nich kończyć.
• Zniekształcasz kolory; Kolor obiektu jest bardzo zależny od otoczenia, ale ani Dodge, ani Burn nie wiedzą nic o twoim rysunku. Barwią wszystko według tej samej zasady.

Tonowanie bielą i czernią

Istotą tej techniki jest to, że tonowanie odbywa się dzięki bieli w jasnych obszarach i czerni w cieniach. Ta technika jest wynikiem złudzenia, że ​​każdy kolor zaczyna się jako czarny (w cieniu), a kończy jako biały (w świetle). Chociaż ta zasada może działać w fotografii, jest bezużyteczna w malarstwie.

Wszyscy staramy się znaleźć proste zasady które są łatwe do zapamiętania. Ale to nie znaczy, że musimy wymyślać zasady, które nie istnieją, na przykład dodawanie bieli, aby była jaśniejsza i czerni, aby była ciemniejsza. Działa to tylko w skali szarości!

Monotonne tonowanie

Kiedy poprzedni problem zostanie rozwiązany, może pojawić się nowy. Wyobraźmy sobie, że jako główny kolor swojej pracy wybrałeś pomarańczowy. Zdecydowałeś, że źródło światła będzie wyświetlane jako żółte, a rozproszone jako niebieskie. Więc właśnie zmieniłeś ton swojego podstawowego koloru na żółty w podświetleniach i niebieski w cieniach. To sprawia, że ​​proces barwienia jest bardziej interesujący niż w przypadku użycia czerni i bieli, ale jest to ponownie obejście, które nie przyniesie pożądanego rezultatu.

Dlaczego jest to obejście? Ponieważ pozostawiając do pracy tylko trzy kolory, automatycznie przenosisz wszystkie obiekty do nienaturalnego środowiska, w którym każdy odblaskowy kolor jest w 100% przewidywalny.

W rzeczywistości światło odbija się od wszystkiego. Dlatego tonowanie rzadko można zredukować do dwóch lub trzech kolorów.

Jeśli weźmiesz to pod uwagę i użyjesz pośrednich źródeł światła do urozmaicenia cieni, zaczniesz rysować bardziej świadomie - i to świetnie!

10. Rozmyj miękkim pędzlem

Zasadniczo początkujący rozmywają odcienie na dwa sposoby, mające na celu ułatwienie pracy:

1. Rozmazywanie miękkim pędzlem
2. Rozmycie za pomocą narzędzia Smużenie/Rozmycie

Jak już zrozumieliśmy, szybkie sposoby prace mówią, że nie kontrolujesz procesu. Rozmycie miękkim pędzlem sprawia, że ​​obiekt wygląda płasko i nienaturalnie gładko. Nawet jeśli dodasz teksturę zdjęcia, nie możesz pozbyć się „plastyczności” obrazu. Ponownie, ta metoda może być stosowana tylko na początku.

Jeśli chcesz uzyskać bardziej subtelny efekt, użyj grubszego pędzla, kontrolując przepływ za pomocą nacisku pióra (im mocniej naciskasz, tym mocniejsze będzie pociągnięcie).

Taki pędzel pozwoli Ci wykorzystać taką ilość koloru, jakiej potrzebujesz.

Dzięki temu narzędziu nie będziesz już musiał zacierać granic między dwoma kolorami. po prostu zaczynasz od koloru bazowego i pokrywasz go jaśniejszym. Następnie możesz dodawać coraz więcej warstw, czyniąc je coraz bardziej gęstymi.

Jeśli chcesz, aby rozmycie było gładsze, wybierz kolor między odcieniami i pomaluj krawędzie.

Aby uzyskać teksturę, użyj pędzla do tekstur (o szorstkich krawędziach).

Zgodnie z zasadą 80-20 nie myśl o rozmyciu na wczesnych etapach. Użyj dużego pędzla, aby krawędzie były widoczne, a cienie nienaturalne.

Następnie możesz użyć mniejszego pędzla i pędzla do tekstur, aby zamazać krawędzie. Nie używaj miękkiego pędzla Smudge. Tylko zakraplacz i gruby pędzel ze zmienną pływ. Warto jednak pamiętać, że ta sama metoda antyaliasingu nie będzie działać we wszystkich przypadkach.

11. Wykorzystanie tekstur 2D na kształtach 3D.

Zdjęcie tekstury to ostatnia nadzieja początkującego, gdy obiekt jest teoretycznie wykończony, zamalowany i zacieniony, ale nadal wygląda jak plastikowa zabawka. Ale niestety sama tekstura tylko pogorszy sprawę.

Wyobraźmy sobie, że chcesz dodać teksturę do tego obrazu wielkiego kota.

Musisz popracować nad cieniami przed dodaniem tekstury. Trudne jest to, że nie trzeba go całkowicie zamalowywać. To, jak wygładzisz kolory, zależy od tego, jaką fakturę wybierzesz - jeśli zrobisz to bez jasnego wyobrażenia, jaka faktura zostanie nałożona, to pożądany efekt nie zostanie osiągnięty.

Możesz pobrać teksturę z internetu lub skorzystać z tej już w Photoshopie - jest ich dużo. To moja ulubiona tekstura - odwrócone drzwi ekranowe.

Jeśli się zmienisz Tryb mieszania tekstury włączone narzuta, zobaczysz, jak tekstura jest nakładana na cienie. Ale zauważ, jak niektóre segmenty stały się lżejsze. Może ci się to spodobać, jeśli zabarwienie nie zostało wykonane prawidłowo, ale jest to po prostu inny sposób na ułatwienie pracy. W większości przypadków nie chcemy, aby tekstura dyktowała własne cienie. Chociaż nakładka nie jest najlepszym rozwiązaniem, ale pozwala zobaczyć, jak tekstura będzie wyglądać na obiekcie.

Teraz najważniejsza część, często pomijana. Jeśli obiekt ma być 3D, nie można go ładnie pokryć teksturą 2D. Musimy dopasować teksturę do kształtu, który pokryje. Można to zrobić na trzy główne sposoby — poeksperymentuj i wybierz ten, który najbardziej Ci się podoba:

• Bezpłatne narzędzie do transformacji(Control+T) w trybie Osnowa
• Filtr > Upłynnij
• Edycja > Wypaczenie lalek

W przypadku kuli najlepiej użyć Filtr > Zniekształcanie > Sferyzacja

Przed użyciem wypaczenia marionetkowego

Po użyciu wypaczenia marionetkowego

Tryb Nakładka sprawia, że ​​jest lżejszy obszary warstwy pokryte białą częścią tekstury. Możemy użyć Multiply , (ten tryb sprawia, że ​​białe obszary stają się przezroczyste), ale wtedy kolory gradientowe (szarości) staną się ciemniejsze niż powinny. Istnieje zatem inny tryb idealny do regulacji przezroczystości.

Wybierz warstwę i ustaw opcję Blend If . Dzięki tej funkcji możesz łatwo dostosować przezroczystość bieli i czerni.

Utrzymać alt, aby oddzielić slajdy i uzyskać gładszy efekt.

Teraz musimy zrozumieć, czym naprawdę jest ta tekstura. To nie jest nierówny obraz nałożony na obiekt. To jest prawdziwa chropowatość powierzchni. Gdy światło dociera do gładkiej powierzchni, jest rozprowadzane równomiernie, ale jeśli powierzchnia jest nierówna, tworzy ogromną ilość cieni. To jest tekstura, którą widzimy.

Tutaj nasuwa się kolejny wniosek. To światło tworzy widoczną fakturę - tekstury nie da się stworzyć bez światła. W przeciwnym razie czym jest cień, jeśli nie brakiem światła? Dlatego musimy zmniejszyć teksturę w ciemnych miejscach lub całkowicie ją usunąć (brak światła - brak tekstury). Możesz użyć do tego celu maski warstwy lub pracować ze slajdami Połącz jeśli. Pamiętaj, że przerwy w teksturach to cienie, więc nie powinny być ciemniejsze niż inne obszary cieni.

Nakładanie tekstury jest szybkie i łatwe, gdy zrozumiesz, jak prawidłowo się z nią obchodzić. Ale znowu wszystkie tekstury są bardzo różne. I chociaż niektóre wyglądają świetnie, gdy są nakładane bezpośrednio, większość wymaga dużo pracy.

Zasada 80-20 w akcji. Dodawanie tekstury jest łatwe, ale nadanie jej odpowiedniego wyglądu to praca, która zajmie dużo czasu. Takie rzeczy zajmują dużo czasu, ale o to chodzi w tych szczegółach!

Pierwsza tekstura to płaska tekstura w trybie Overlay, druga to ten sam tryb, ale ze zmianami. Ta ostatnia jest już ostateczną proponowaną opcją.

Wniosek

Jak zauważyliśmy, większość problemów początkujących artystów wynika z chęci szybkiego rozpoczęcia wspaniałego malowania bez większego wysiłku. To nie tyle brak umiejętności, ile raczej stosunek do Photoshopa jako maszyny do tworzenia dzieł sztuki. Prowadzi to do tego, że większość czasu spędza się nie na nauce, ale na szukaniu narzędzi i sztuczek.

Nie możesz zostać artystą cyfrowym z dnia na dzień tylko dlatego, że masz zaawansowany program. Photoshop to narzędzie, wygodniejsze niż pigmenty i pędzle, ale znowu tylko narzędzie. Nie może zrobić więcej niż to, co mu dyktujesz. Jeśli chcesz zacząć cieszyć się wszystkimi zaletami programu, potraktuj go jak cyfrowe płótno z farbą cyfrową. Zapomnij o wymyślnych narzędziach, filtrach, pędzlach. Po prostu maluj tak, jak malowałbyś na płótnie.

Wiele osób pracuje z Photoshopem przy tworzeniu plików graficznych. Photoshop jest naprawdę uniwersalny, ale jego częstsze zastosowanie nie służy do prostego rysowania, ale do pracy z wizualizacją.

Jeśli lubisz rysować postacie z anime lub chcesz zacząć to robić, to dobry wybór będzie się cieszyć Narzędzie do malowania Sai. Jest to aplikacja graficzna dostępna dla każdego, nastawiona na rysowanie przede wszystkim w stylu Line Art. Anime i manga są narysowane w tym stylu, więc korzystanie z aplikacji Sai Paint Tool zyskało ogromną popularność wśród fanów anime.

Jak korzystać z narzędzia do malowania Sai

Zacznijmy od tego, że jest przeznaczony do użytku na tablecie, ale działa znacznie szybciej niż opisany powyżej Photoshop, co przekonacie się, gdy tylko postawicie pierwsze kroki.

Tak więc nauka pracy z Paint Tool Sai:

• Oczywiście powinieneś zacząć od zainstalowania programu. Aby to zrobić, wejdź na oficjalną stronę Paint Tool Sai (http://www.systemax.jp/en/sai/ jest odpowiedni dla języka angielskiego) i pobierz go na swój komputer lub tablet.
• Dowiedz się, jak wygodnie korzystać z narzędzia Paint Tool Sai z gotowego szkicu. Dlatego najpierw albo narysuj i zeskanuj szkic, albo znajdź odpowiedni plik graficzny w Internecie. Następnie otwórz go w edytorze Paint Tool Sai.
• Otwórz nową warstwę. Przyciski do tego w programie znajdują się pośrodku prawego menu. Dla wygody ponownie skupimy się na język angielski. Znajdujemy „Warstwa” (Warstwa), a następnie wybieramy tam „Nowa warstwa” (Nowa warstwa).
• Następnie otwórz warstwę dla grafiki liniowej - najpierw w tej samej „Warstwa”, a następnie wybierz „Nowa warstwa szkicu”.
• Wszystko, co zrobiłeś, powinno wyświetlić się na ekranie: Warstwa 1- będzie to oryginalny rysunek, Warstwa 2- druga warstwa, którą otworzyłeś, oraz Szkic1— Warstwa dla grafiki liniowej.
• Korzystanie z narzędzi graficznych Paint Tool Sai nie jest trudniejsze niż używanie programu Abobe Photoshop.
• Podobnie jak w Photoshopie, narzędzia znacznie ułatwią Ci pracę, powiedzmy Airbrush (aerograf) ułatwi rysowanie owalu.

• Spróbujmy zakreślić oryginalny obraz. W tym celu używane jest narzędzie Krzywa - zarysowujemy albo cały szkic, albo to, co uważamy za konieczne. Jeśli chcesz, aby szkic nie przeszkadzał, możesz go okresowo wyłączać - pomoże kliknięcie ikony oka, którą łatwo znaleźć na panelu warstw.
• Jeśli linia wyszła w czymś innym niż potrzebujesz, po prostu kliknij „Edytuj” i napraw to pożądana opcja. Możesz także poprawić wady szkicu w Paint Tool Sai - zmieniając grubość linii, popraw wszystkie niedokładności.

• Do kolorowania użyj narzędzia Magic Wand (w trudnych przypadkach użyj Sel Pen jako alternatywy).
• Przede wszystkim wygodnie będzie pokolorować najważniejsze części obrazu. Następnie przejdź do dolnej warstwy i pomaluj wszystkie drobne szczegóły. Następnie, aby uzyskać piękno i ostateczny szlif, wróć do warstwy linii i obrysuj linie cieni. Następnie wykończ pasemka i pomaluj cienie.

Powyższe instrukcje wystarczą, aby zacząć używać Program malarski Narzędzie Sai. Bardziej szczegółowe studia nad technikami rysunkowymi i możliwościami poszczególnych narzędzi są łatwe do opanowania w przyszłości w razie potrzeby.

Baw się dobrze rysując anime!

Jeśli nie jesteś w stanie zrobić czegoś samodzielnie, radzimy skontaktować się z komputerową pomocą pogotowia ratunkowego - pchelp24.com, rozsądne ceny, doświadczeni specjaliści, bezpłatny telefon i diagnostyka.

Dość popularny edytor graficzny można nazwać Paint Tool Sai. Pomimo dużej konkurencji, jaką Adobe ustanowił w wektorze i grafika rastrowa, ta aplikacja ma swój własny, duży krąg wielbicieli.

Warto zastanowić się nad momentem, że omawiany edytor graficzny jest bardziej przeznaczony do rysowania, a nie do obróbki obrazu. Dlatego zastanowimy się, jak prawidłowo wykorzystać funkcjonalność edytora podczas tworzenia rysunków.

Jak poprawnie pracować w edytorze Paint Tool Sai to dość częste pytanie, pomimo przejrzystego, intuicyjnego interfejsu i kompletnej rusyfikacji aplikacji.

Czym są warstwy Paint Sai i do czego służą?

Podstawę prawie wszystkich potężnych edytorów graficznych można nazwać wykorzystaniem systemu warstw. To ona pozwala osiągnąć niezwykłe rezultaty. Aby wykorzystać wszystkie możliwości edytora graficznego, należy zrozumieć cechy rysowania za pomocą warstw:

• Każda warstwa to osobne płótno, na którym można utworzyć obraz niezależnie od obrazów na innych warstwach.
• Warstwy można przesuwać i grupować w celu ułatwienia użytkowania.
• Możesz stworzyć nieograniczoną liczbę warstw, a wszystkie będą należeć do tego samego projektu.

Wszystkie powyższe punkty określają jedynie cechy użycia warstw, ale nie istotę ich przeznaczenia. Aby zrozumieć, jak działa to jedno z najważniejszych narzędzi, spójrzmy na sam proces rysowania.

W jaki sposób można użyć tego narzędzia w Paint Tool Sai?

Rozważając cechy zastosowania tego narzędzia, należy wyobrazić sobie kilka arkuszy papieru, które leżą jedna na drugiej. Na każdej z warstw znajduje się pewien rodzaj informacji graficznej. Program pozwala na przesuwanie wirtualnych arkuszy względem siebie. Jednak w Tryb normalny to nic nie da, ponieważ widoczny będzie tylko obraz znajdujący się na najwyższej warstwie.

Aby system warstw miał sens, dodano funkcję zmiany przezroczystości każdej warstwy. Teraz, gdy wciągasz wirtualne środowisko można zmienić przezroczystość, stopień wypełnienia każdej warstwy, co pozwala uzyskać dość nietypowy efekt.

Możesz także użyć różne metody miksowanie, co również zwiększa możliwości artysty. Trudno jest osiągnąć takie warunki pracy przy rysowaniu na prawdziwym papierze, ponieważ stopień przezroczystości uzyskuje się przy użyciu papieru o różnej gęstości.

Podobna metoda rysowania jest zaimplementowana prawie we wszystkich edytory graficzne. Jednocześnie zwracamy uwagę na moment, w którym pojęcie warstw można znaleźć w wielu programach przeznaczonych do pracy w środowisku wirtualnym.

Dlatego opanowując funkcjonalność danego edytora graficznego, należy zacząć od skorzystania ze specjalnego bloku narzędzi przeznaczonego do umieszczania, grupowania, zarządzania i ustawiania warstw danego projektu.

Ten blok domyślnych narzędzi w tym przypadku znajduje się w lewym dolnym rogu i zajmuje dość dużo miejsca. Nad polem z nazwą i lokalizacją warstw znajdują się komendy pozwalające skonfigurować aktywną warstwę. Aby przejść z płótna na płótno, po prostu je wybierz.

Podsumowując, zastanawiając się nad użyciem Painta, należy wziąć pod uwagę: przy tak wielu funkcjach i narzędziach jest jeden czynnik, który decyduje o ostatecznym efekcie - umiejętności i talent samego artysty. Dlatego wszystkie narzędzia są łatwe w użyciu, ale wymagają odpowiedniej obsługi.

W Photoshop wszystko czyta od wybór rozmiaru płótna I rozdzielczość obrazu.

rozmiar płótna

Wymiary podczas rysowania

Do szkicu- 800 x 800.

– 1500 x 1500

– 3000 x 2000

Normalnie:

Na polach Szerokość I długość

W Photoshop wszystko czyta od wybór rozmiaru płótna I rozdzielczość obrazu.

Wszyscy skorzystają, wiedząc, jak stworzyć dokument dobry rozmiar lub zmień rozmiar otwórz obraz w Photoshopie.

Nawet podczas rysowania używam funkcji do zmiany rozmiar płótna. Zwykle zaczynam rysować szkic na płótnie o

Wymiary podczas rysowania

Do szkicu- 800 x 800.

Do rysowania kolorami i cieniami– 1500 x 1500

Ostateczny obraz ze szczegółami– 3000 x 2000

Stopniowo przechodząc od szkicu do szczegółowego obrazu zmieniam rozmiar płótna na większy rozmiar.

Dlaczego nie stworzyć od razu 3000 x 3000 i nie kąpać się? Oczywiście chodzi o wydajność i powolność komputera. Przy tak dużym rozmiarze, co mogę powiedzieć.... Photoshop oszczędza kilka minut.

Gdzie zmienić rozmiar (Rozmiar obrazu…)?

Normalnie:

Obraz — Rozmiar obrazu… (Alt + Ctrl + I)

Na polach Szerokość I Wysokość można ustawić zgodnie z wymaganiami długość i wysokość (w pikselach lub centymetrach). Gdy zmienisz jedną z wartości, druga dostosuje się, aby zachować proporcje oryginalnego obrazu.

Te szybka akcja idealny, jeśli nie wymaga łamania proporcje między długością a wysokością płótna.

Do zmiany wysokości I długość są inni tak samo proste narzędzia o czym napiszę w następnym poście.

Aby stworzyć piękne obrazy na komputerze, możesz użyć edytorów graficznych różne rodzaje. Produkty Adobe od dawna cieszą się dużą popularnością i nie było alternatywnych ofert.

Po pewnym czasie pojawił się program Paint Tool Sai, który również posiada całkiem niezły zestaw funkcji i możliwości. Zastanów się, jak korzystać z narzędzia Paint Tool Sai i do czego został stworzony ten edytor graficzny.

Cel danego edytora graficznego

Wszystkie programy mają wąską specjalizację lub są bardziej odpowiednie do rozwiązywania niektórych problemów. Program, o którym mowa, został stworzony przez japońskich programistów, aby umożliwić wszystkim posiadaczom komputerów PC i urządzenia dotykowe remis piękne zdjęcia, urzeczywistnij swoje pomysły i fantazje na wirtualnym papierze.

Można więc powiedzieć, że program pozwala rysować obrazy za pomocą wirtualnych narzędzi. Jest rzadko używany do obróbki zdjęć i już istniejących obrazów, co jest spowodowane niewystarczającym zestawem narzędzi.

Ogólnie można powiedzieć, że edytor graficzny to wirtualna kartka papieru i dość duża liczba narzędzi, którymi można nałożyć wirtualną farbę na płótno. Też mam dodatkowe funkcje, co pozwala uprościć zadanie rysowania i osiągnąć niezwykłe rezultaty. Spójrzmy na przykład, jak użyć narzędzia Paint Tool Sai do stworzenia normalnego obrazu.

Proces rysowania w Paint Tool Sai

Jak już wcześniej wspomniano, omawiany program powstał po to, aby umożliwić ludziom wyrażanie swojej wyobraźni na wirtualnym płótnie. Oczywiście nawet artysta z dużym doświadczeniem, przechodząc z płótna rzeczywistego do wirtualnego, nie będzie w stanie od razu w pełni wykorzystać możliwości programu. Dlatego niektórzy uważają to za bezużyteczne. Tak jednak nie jest.

Proces rysowania jest całkowicie identyczny jak na prawdziwym płótnie. Aby to zrobić, wystarczy mieć wystarczająco wysokiej jakości urządzenie dotykowe, które jest w stanie rozpoznać siłę naciskania pióra. Proces rysowania jest prosty:

Następnie narzędzie jest całkowicie gotowe do użycia i możesz zacząć nakładać maski lub linie. Podobnie jak w innych programach, możliwe jest cofnięcie działań lub poprawienie wyniku za pomocą gumki. Jednak ten program ma dość skromny zestaw masek, które są również dość często używane podczas edycji zdjęć.

Zastanawiając się, jak korzystać z programu Paint Tool Sai, można również zauważyć, że istnieje dość duża liczba różne ustawienia, które pozwalają kontrolować działanie wybranych narzędzi.

Istnieje możliwość wyboru rodzaju pędzla i tak dalej. Dla wygody korzystania z programu podczas pracy stworzono kombinację skrótów klawiszowych, którą w razie potrzeby można samodzielnie przekonfigurować. Inne ważne narzędzia programu, które nie są związane z procesem rysowania, ale mogą służyć do osiągnięcia nietypowego efektu, są zaimplementowane w taki sam sposób, jak w innych tego typu edytorach graficznych. Dlatego przejście do rozważanego będzie dość proste.