O dziwo, obecna premiera „Linii słonecznej” w CIM jest pierwszą moskiewską inscenizacją sztuki Wyrypajewa, którą słyszałem na autorskim czytaniu w ramach „Lubimówki” ponad dwa lata temu:

Wtedy pomyślałem, że dobrze by było zagrać ten konkretny tekst w dosadnym przedsięwzięciu nawet Karakalpak ASSR. Ale Wiktor Ryżakow jest zdecydowanie najlepszym i najbardziej konsekwentnym teatralnym interpretatorem tekstów dramatycznych Wyrypajewa (we współczesnym teatrze rosyjskojęzycznym były chyba tylko dwa tak stabilne i owocne tandemy reżysersko-pisarskie: Ryżakow-Wyrypajew i Grigorian-Priażko, ale druga niestety się rozpadła, a powstała w jej miejsce współpraca Volkostrelov-Pryazhko istnieje w jakiejś bardzo równoległej i marginalnej rzeczywistości teatralnej) działa sprawdzonymi środkami. Stopień pedagogicznego patosu spektaklu, który jednak początkowo tkwi w „Słonecznej linii” w znacznie mniejszym stopniu niż „Dreamworks**Dream Come True” czy „Drunk”, reżyser obniża jeszcze bardziej ze względu na konwencjonalność formy. W trakcie lektury widziałem, jak w atmosferze tzw. „gęste życie” (w slangu recenzentów z magazynu „Strastnoy Boulevard, 10”), tzw. „zaszczyceni” artyści, jak mówią, „na maśle”, rozwijają, ze wszystkimi swoimi ulubionymi kliszami i nakładami, tę czysto warunkową, celowo sztuczną konstrukcję dramaturgiczną, a na niekonsekwencji, opozycji formy sztuki, stylu decyzja reżysera i metoda aktorska, tkwiąca w tekście energia, której niestety, nawet przy dobrej grze autora, nie da się od razu przyswoić. Ale Ryżakow, wręcz przeciwnie, ma pełną „korespondencję”: od pokus realizmu psychologicznego i wszelkiego rodzaju życia codziennego, którego ironiczne założenie nadaje „Linii słonecznej” urok złożoności, reżyser przechodzi w absolutną konwencjonalność, totalny absurd i czysto zabawne struktury. Jednak z aktorami wszystko nie jest takie proste, zwłaszcza w odniesieniu do kolejnego wspaniałego dzieła Julii Peresild.

Akcja spektaklu, w przeciwieństwie do podkreślanego w spektaklu „realistycznego” environment, choć bez odniesienia do kraju i epoki, environment (ale to oczywiście także autoironia autora, element gry, szczerze mówiąc , szkopuł dla frajerów), umieszczony jest w sterylnym, sztucznym, figlarnym „wnętrzu”, składającym się z trójściennego pudła-„parawanu”, wewnątrz którego znajduje się ściana, również ekranująca, która później przewraca się i zamienia w „podium” przykrytego papierem pakowym, w kulminacyjnym odcinku walki bohaterowie rozerwą opakowanie, pod nim znajdzie się lustro, w którym już na końcowych ukłonach będą mogli odbijać się zarówno artyści, jak i publiczność wydajność. Bohaterowie „Linii słonecznej”, wpisani w obraz komputerowej instalacji wideo, zwłaszcza na początku, swoimi mechanistycznymi ruchami przypominają albo cyborgi, albo antropomorficzne programy komputerowe, wydają się „zamrażać” i „restartować” po każdym mikro- epizod. Ta decyzja przynosi „Linii słonecznej”, która jest nominalnie „scenami życia małżeńskiego”, z zupełnie inną i praktycznie nieznaną sztuką Wyrypajewa „Urządzenia elektroniczne Mahamaya”, którą w podobnym duchu wystawił „Praktyka” pod koniec swojej istnieć w swojej dawnej jakości i pokazany publicznie zaledwie kilka razy:

Ale dla bohaterów „Linii słonecznej” Ryżakowa stopniowo, w trakcie „grania”, początek „człowieka”, emocja wciąż dominuje nad „sztuczną inteligencją”. Między innymi obsceniczne słownictwo, którym posługuje się Wyrypajew, ma, jak sądzę, nie tyle dodać do wypowiedzi bohaterów wypowiedzi, co „powalić” bezwładność jej rytmu, ale jednocześnie bezwładność percepcji (element jest więc czysto formalny), w końcu brzmi mniej zauważalnie, nie tak celowo, ale prawie zanika - to już teraz, na przedpremierowym pokazie, podczas gdy spektakl można usłyszeć ze sceny w oryginalnej, oryginalnej wersji , jak to było odczytane dwa lata temu; Uważam, że w związku z ortodoksyjno-faszystowskimi ustawami o cenzurze dalsze uwagi trzeba będzie „dostosować”, jak to miało miejsce kilka lat temu w przypadku „Pijanego”:

Strukturalne, a nawet fabularne podobieństwo „Linii słonecznej” z klasykami tzw. „Teatr absurdu”, „Krzesła”, a zwłaszcza „Delirium Together” Ionesco, co jest oczywiste w lekturze, jest też mniej zauważalne w przedstawieniu właśnie ze względu na tę wewnętrzną dynamikę emocjonalną, stopniowe przechodzenie od „mechaniki” do „ organiczną”, choć na ile taka przemiana jest zarysowana przez autora, na ile jest zrozumiała dla reżysera, a na ile wynika z inicjatywy aktora, trudno mi ocenić.

Aktorzy, których w pierwszych odcinkach doprowadzani są na niemal cyrkowe konwencje, do błazeńskich ekscentryków, w nieskończoność zdejmują i zakładają ubrania, zdejmują buty i ponownie je zakładają – czas w domu Wernera i Barbary zamarł o piątej nad ranem Godzimy rano, ale dzięki nieustannemu „przebieraniu się” mamy przed oczami jakby lata mijały w oczekiwaniu na upragniony 24 kwietnia, kiedy to kredyt zostanie spłacony i rozpocznie się dla małżonków – czy też nie? - "nowe życie". Ryżakow znalazł niezwykle trafną plastyczną mise-en-scène, emblematyczną, symboliczną i działającą jak motyw przewodni przez całą produkcję, postacie wracają do niej za każdym razem w momencie „zamrożenia” i „restartu”: Andriej Burkowski zamarza z przodu widowni Julia Peresild, pochylona, ​​opiera się o niego z profilu. Co prawda Peresild ma też do dyspozycji dodatkowy „kobiecy” środek wyrazu – potrafi rozpuścić włosy zebrane w surową fryzurę, rozczochrać je, a wszystkie te proste „ćwiczenia” w rozgrywce mają też wymowny, wymowny, ikoniczny charakter. Wyraz twarzy Peresild jest w jakiś sposób „plastelinowy” - wydaje się, że przegląda cudowne „rysunki” na twarzy, podobni aktorzy - raz lub dwa, ale nawiasem mówiąc, jej kolega z klasy w warsztacie O. Kudryashova w GITIS Evgeny Tkachuk też jest taki sam „plastelina”. Andriej Burkowski (jeśli się nie mylę, ukończył Moskiewską Szkołę Teatralną bezpośrednio u Wiktora Ryżakowa, pamiętam go z przedstawień dyplomowych) jest nieco mniej zróżnicowany pod względem środków, ale jak na męskiego bohatera (i Wernera w Wyrypajewie z Oczywiście nie jest to konkretny człowiek, nie osobowość, ale znowu znak, godło „mężczyzn”), najlepszy nie jest potrzebny. Duet okazał się nienaganny pod względem zespołowym, synchroniczności i techniki, „choreograficzny” i emocjonalny i jest równie idealnie wpisany w projekt „techniczny”, w projekt spektaklu (artysta Nikołaj Simonow). Aktorzy nie starają się „przyzwyczaić” do ewidentnie „mechanicznych” obrazów, ale są fantastycznie naznaczeni technicznie, zarówno w statycznych inscenizacjach, zastygających i dosłownie nie oddychających, jak i w scenach zabijania inscenizowanych bójek małżeńskich – tych „ walki” są rodzajem „baletu”, nie powinny przekonująco przypominać prawdziwej bójki, ale na tle wideo komputerowego, na lustrzanym podium zaklejonym papierem pakowym, w zapiaszczonych (słonecznych?!) ubraniach, mąż i żona , w spektaklu wciąż mającym imiona i jakieś swoje, rodzinne, oczywiście, uogólnione do zupełnej abstrakcji, do M i F. Nawet taki - bardzo trafnie odnaleziony przez reżysera - drobny i czysto codzienny szczegół „życia rodzinnego”, jak męskie skarpetki („mycie w pewnym sensie „głównego obowiązku” każdej „prawdziwej kobiety”, prawda? ), i nie zapomniany, i zagrany z baletową elegancją iz tą samą „baletową”, symboliczną konwencją: tutaj skarpetek nikt nie wącha, jak to zrobił Hamlet Raikina ze Sturuą, więc w każdym razie naturalizm dosłownie „nie pachnie”.

Doskonałość jasnej, ostrej formy teatralnej jednak - paradoksalnie, ale też logicznie, nieuchronnie, fatalnie - ujawnia i wyostrza sprzeczności tkwiące w sztuce jej autora Iwana Wyrypajewa (podczas gdy autorska lektura w dużej mierze je usuwała). I pojawiają się te same pytania, co w związku z poprzednią wspólną pracą Ryżakowa-Wyrypajewa „Dreamworks * * A Dream Comes True” w Moskiewskim Teatrze Artystycznym, którą poszedłem oglądać dwa razy z rzędu, przedstawienie jest boleśnie dobre, ale im lepsze przedstawienie, tym silniejsze podejrzenia co do sztuki:

W ogóle ostatnio często spotyka się opinię, że Wyrypajew doprowadził swoje kompozycje do granic mistrzostwa formalnego, a pod tym modnym opakowaniem dramatycznej formy sprzedaje wątpliwą, kontrowersyjną, jeśli nie prymitywniejszą ideologię. Opinie, z ręką na sercu, nie są bezpodstawne, w związku z którymi nieuchronnie będziecie się zastanawiać, czy Ryżakow nie wyrządza „krzywdy” Wyrypajewowi, dodając niejednoznaczności, złożoności, sprzeczności swoimi znakomitymi występami, zasadniczo prymitywnymi, a czasem o bardzo nieprzyjemnym zapachu , propagandowy frazes, który Wyrypajew tak skrupulatnie i zręcznie pakuje jeden po drugim, a raczej zaczynając od Tańca Delhi już przepakowuje (po Iluzjach, sam to już wielokrotnie odnotowałem, wszystkie kolejne Wyrypajewa gry wydają się być wykonane z materiałów pochodzących z recyklingu, co nie anuluje płynności produktu i płynnego przebiegu produkcji przenośników). W odniesieniu do „Linii słonecznej” takie pytania są mniej dotkliwe niż w przypadku „Sen się spełnia” czy „Pijany”, ale mimo to znowu nie zdecydowałem ostatecznie sam: gdzie jest granica zaawansowanej technologicznie głupoty Wyrypajewa kiedy przestaje „głosić kazania i zaczyna „grać głupca”, czy też Wyrypajew całkowicie i poważnie spierdolił na gruncie jakiejkolwiek „duchowości”?

Według przedstawień Ryżakowa, w każdym razie, według najlepszych z nich (do których jednoznacznie należą „Linia słoneczna”, „Sen się spełnia” i „Pijany”, ale moim zdaniem nie obejmują, w moim zdaniem jego „Iluzje” w Moskiewskim Teatrze Artystycznym) można odnieść wrażenie, że Wyrypajew generalnie „gra głupca” od początku do końca, że ​​jego sztuki są moralnie i ideologicznie ambiwalentne, że jest to gra filigranowa i czysto formalna , z którego w procesie interpretacji reżyser i aktorzy wycinają własne znaczenia. Trwałem w tym przekonaniu przez długi czas, chyba załamałem się na "Dream Come True"; „Linia słoneczna” to kuszący powód, by ponownie uwierzyć, że „ideologia” i „kazanie” dla Wyrypajewa to tylko część formy, ale mimo to obawiam się, że tak nie jest, i to jest smutne i nie powinniśmy zapominać o tym, bez względu na to, jak bardzo byśmy chcieli „Osiągnąć pozytywny wynik”.

zdjęcie Knyazenki i Olyi Galitskaya

„Linia słoneczna” I. Wyrypajew.
Wyśrodkuj je. Słońce. Meyerholda.
Reżyseria Wiktor Ryżakow, scenografia Nikołaj Simonow.

SPALONY

Na scenie TsIM występuje dwoje: małżeństwo Werner i Barbara, Andriej Burkowski i Julia Peresild. Piąta rano. Od dziesiątej wieczorem próbują znaleźć wzajemne zrozumienie po siedmiu latach małżeństwa, które podzieliło małżonków na różne bieguny. O piątej rano znaleźli się jedynie w „absolutnym niezrozumieniu wszystkiego”. Każde słowo, wypowiedziane w pragnieniu zrozumienia i zrozumienia, oddala się. Nie da się urodzić dziecka, spłacona pożyczka nie zapewni sielanki, dom do podziału na pół - w żadnym wypadku. W żadnym z pytań nie ma zrozumienia. Z powszedniości wydaje się, że tylko wysokiej klasy poczucie humoru, godna pozazdroszczenia obsceniczność języka i bólu - wszystko to, w czym Barbara i Werner nie mają sobie równych. „Ból płynie ze wszystkiego całkowicie do mnie” — mówi Werner. Nie wierząc w jego ból, Barbara słucha tylko swojego. Tymczasem między dwoma bólami przebiega tylko linia słoneczna. Tylko podtytuł sztuki Iwana Wyrypajewa budzi nadzieję: „Komedia, która pokazuje, jak można osiągnąć pozytywny wynik”.

Linia słoneczna jako gwarancja niezbliżenia, jako poszukiwanie przejścia dla pieszych na obwodnicy Moskwy i niemożność przekroczenia podwójnej linii ciągłej żywcem. Ruch wzdłuż linii słonecznej oddzielającej te dwie rzeczy jest w rzeczywistości ruchem w głąb siebie. Linia nie tylko oddziela cię od innych, ale oddziela cię od ciebie. Wasze wspólne poszukiwanie zbliżenia to droga do własnej duszy, rozdartej na dwie części. Dlatego rażący plan Barbary może nie być aż tak idiotyczny: „Muszę przez ciebie przejść, żeby zyskać szacunek dla samej siebie i zostać świętą”. Ale nieprzyzwoicie sarkastyczna odpowiedź Wernera, która następuje po tym, jest mimo wszystko naturalna.

Scena ze spektaklu.
Zdjęcie - archiwum TsIM.

Kolejne zbliżenie między reżyserią Wiktora Ryżakowa a dramaturgią Iwana Wyrypajewa nastąpiło na pewnym poziomie molekularnym. Jakby w piętnastym roku współtworzenia o piątej rano udało im się, jeśli nie przekroczyć granicę, to zbliżyć się do niej jak najbliżej i zobaczyć, co się za nią kryje. Tępiący bólem dramatopisarz, mistrz ironicznych paradoksów, spotyka się tu z reżyserem, który jest tak wyczulony na formę, tak umiejętnie miesza gatunki, władając zarówno całym wachlarzem technik działających na wyobcowanie, jak i potężnym mechanizmem odpowiedzialnym za zbliżenie. . Jeśli nie da się przekroczyć linii słonecznej, to granica akceptowalnego w gatunku komicznego skandalu małżeńskiego jest prosta. Wiktor Ryżakow i artyści nigdy tego nie robią. Cały spektakl to filigranowe balansowanie na krawędzi, chodzenie po linii słonecznej jak po międzygalaktycznej linie. W przebiegłej podłej scenerii, za pomocą mappingu, zamienia się to w rodzaj gry komputerowej (jakby Sims dostał się do Mario), zaczynając w kółko, od tej samej pozy, Barbara i Werner przechodzą ponownie ten sam poziom i jeszcze raz. Zapominanie o ratowaniu, nakładanie jednego nieporozumienia na drugie, piętrzenie nieudanych prób i nie osiąganie rezultatu, za każdym razem zaczynają od nowa, wznawiają dialog od tego samego punktu rozpaczy. Estetyka gry mechanicznej repetycji gwarantuje niezbędną lukę między grą teatralną, matrymonialną i komputerową, pozwalającą na reset w momentach szczytu. W ten sposób możliwe stają się przejścia od groteski do psychologizmu, od histerii do liryki, od walki w stylu Bruce'a Lee do tańca, od kuchennego życia do kosmicznego zapomnienia. Ta bitwa, która trwa piętnaście godzin, ale resetuje się w nieskończoność, zaczyna się o piątej rano i kończy o piątej rano. Czas i przestrzeń tego małżeństwa skupiają się w jednym punkcie i potrzebny jest szaleńczy rytm, aby nie wyskoczyć z orbity i zdążyć wszystko załatwić, zanim zegar wskaże 05:01. Twórcy spektaklu traktują grę jako sposób komunikacji nie tylko z publicznością, ale także z bohaterami. Jest to format gry, który okazuje się oszczędzać dla małżonków, którzy utknęli na kolejnym poziomie. Pokonanie tej granicy choć na chwilę jest możliwe tylko dzięki zabawie fabularnej Barbary i Wernera w ich krewnych – Zoi i Zygmunta oraz ich hipotetycznej nagłej miłości. A lustro, przed którym aktorzy zostawią publiczność na koniec spektaklu, nie spełni banalnej funkcji naświetlania, ale być może pozwoli zobaczyć własną linię, dzielącą każdego z nas na dwie połowy , z których jeden jest tak trudny do kochania. Ale trzeba tylko wymyślić grę, za pomocą której „można osiągnąć pozytywny wynik”.

TY, MOJA KOCHANA, JESTEŚ TYLKO GENIALNA!

Dramaturg Iwan Wyrypajew, reżyser Wiktor Ryżakow i aktorzy Julia Peresild i Andriej Burkowski poradzili sobie z najtrudniejszym zadaniem: udało im się opowiedzieć o kłótni małżonków bez melodramatu, fałszywej agresji i swędzącej histerii.

Dramaturg określił gatunek sztuki jako „komedia, która pokazuje, jak można osiągnąć pozytywny wynik”. I będzie naprawdę śmiesznie.

Postacie, ubrane od stóp do głów w piaskowy kolor, stojąc na tle rzemieślniczej ściany, zdejmują wierzchnie ubranie, aby je ponownie założyć, skrupulatnie artykułując swoje pretensje-oskarżenia-ból w tym momencie. Mąż i żona, siedem lat małżeństwa, kryzys czterdziestki.

Scena ze spektaklu.
Zdjęcie - archiwum TsIM.

Przestrzeń. Warunkowa kuchnia, której jedynym atrybutem jest ten sam kociołek piaskowy (nie licząc rzutu kafelkowej ściany w całym poziomie sceny). Czas. Ciągle słyszymy, że jest piąta rano. Ale kuchenny chronotop, w którym utknęli bohaterowie, nie jest codziennością: ta dwójka jest w bolesnej pułapce między ontologiczną nocą a porankiem.

Doprowadzają się do stanu, w którym „sen umysłu rodzi potwory”. Kiedy w brzydkich formach nagle wypełza to, co nagromadziło się przez długi czas, kiedy, aby dotrzeć do źródła problemu, nie wystarczy pociągnąć za nić, ale trzeba rozwikłać plątaninę, a nawet więcej jeden. Werner sugeruje, że Barbara urodzi dziecko na wiosnę, kiedy spłacają kredyt hipoteczny (kolejny metafizyczny chronotop świetlanej przyszłości rodziny). Barbary odmawia. Werner nie może jej zrozumieć. I wtedy wyłania się ukryta kobieca niechęć – że wcześniej nie próbował tego zrobić: zaproponował, ale w ostatniej chwili się nie odważył. I to ją bolało. W tym samym czasie sama Barbara chce dziecka, ale boi się ...

Bohaterowie działają w jedyny dostępny im sposób, aby zrestrukturyzować wspólną rzeczywistość i zaakceptować nie połowę drugiej, ale wszystkich. W żarliwym pragnieniu ratowania związku szukają winnego, walczą, próbują się kochać, grają w gry fabularne. Każdy znajdzie coś bardziej bolesnego, by zranić drugiego. Barbara opowiada, jak wyobraża sobie siebie z innym mężczyzną. Werner entuzjastycznie, wzniośle dzieli się swoim niebieskim snem: „Jak by to było, kurwa, gdybyś teraz przyjął tak i umarł…”

Scena ze spektaklu.
Zdjęcie - archiwum TsIM.

Obsceniczne słownictwo jest organicznym elementem tekstu, dyktującym wręcz specjalny rytm. Ale co najważniejsze, jest to skuteczny mechanizm, który działa przeciwko patosowi.

Gdyby nie filigranowa zmiana intonacji, tempa-rytmii i ocen aktorów tego, co mówią i słyszą, spektakl byłby skazany na porażkę. Poziom „witalności”, hiperrealizmu w dialogach jest taki, że nie sposób obejść się bez efektu oderwania. Jakich sposobów wyobcowania nie znajduje reżyser i aktorzy! Albo postacie rozmawiają ze sobą tak, jakby rozmawiały z osobą chorą psychicznie lub dzieckiem, po czym Werner „włącza” robota i rapuje: „Ab-so-lute-but-e-no-no-no- ma-no-wszystko”, po czym Barbara, udając sztuczny uśmiech, mówi z celową swobodą i nienaturalną modulacją głosu. Teatr psychologiczny wkracza w przestrzeń gry zaledwie kilka razy i na chwilę – nie ma tu nic więcej do roboty.

Patrzysz na to wszystko i rozumiesz, jak bardzo się kochają. To nie jest tylko współzależność, kiedy razem jest to niemożliwe, i osobno: to pokrewieństwo dusz i niesamowita bliskość, mimo iluzji jej braku.

Wyczerpani walką na poważnie, małżonkowie kładą się na lustrzanej podłodze, łącząc nogi. Odbicia zlewają się z realnymi postaciami, dzięki czemu na ekran rzutowane są nieludzkie ciała, które mają dwa razy więcej kończyn i przerośniętą głowę. Oto jesteśmy - z naszą potworną wewnętrzną skrzywieniem i patologiczną nieregularnością.

W finale irytujące zmarszczki na ekranie zostają zastąpione absolutnie wyrypajewską przestrzenią, w której linie „słoneczne” nie przechodzą w poprzek, ale wzdłuż: z naszego świata - w głąb ekranu. Oznacza to, że Barbara ma rację: „Nigdy nie przekroczymy tej linii słonecznej… w tym celu musielibyśmy przekroczyć połowę siebie”. I wtedy jedyne, co pozostaje, to z całym swoim zniszczonym światem wewnętrznym, ze wszystkimi urazami psychicznymi, położyć głowę na głowie innego, ponieważ samotne istnienie w tym absurdalnym i niezrozumiałym kosmosie bez tego właśnie „innego” będzie nie tylko bez sensu, ale co - coś nie tak.

Przykucnięci jak starcy i drżący, Barbara i Werner wciąż tańczą swój taniec. Jeden dla dwóch.

Dyrektor artystyczny CIM Wiktor Ryżakow po raz kolejny wystawia w Teatrze swojego ulubionego dramatopisarza: z romantycznego Tlenu. doktor„Rozpoczęła się moskiewska część ich biografii, która piętnaście lat później kontynuuje„ Linię słoneczną ”. Jest tu też dwoje bohaterów, ale to już nie pędzący do siebie z kosmiczną szybkością Sasza i Sasza, ale szanowani mieszczanie Barbara i Werner, starający się przynajmniej nie dopuścić do rozwodu – choćby o piątej nad ranem w w kuchni ich dobrze prosperującego domu wszystko idzie do tego.

Ryzhakov jest rekordzistą w produkcjach sztuk Wyrypajewa: „Genesis nr 2” ze Swietłaną Iwanową i Aleksandrem Bargmanem oraz „Lipiec” z Poliną Agureevą w „Praktyce” oraz trzy przedstawienia w Moskiewskim Teatrze Artystycznym. Twórczość Czechowa układa się w długotrwały dialog reżysera z najważniejszym rosyjskojęzycznym dramaturgiem naszych czasów. Terytorium tego dialogu, a zarazem jego tematem, jest egzystencja aktora, którą Ryżakow bada rok po roku. Wybrawszy Wyrypajewa na swojego rozmówcę, reżyser Ryżakow i nauczyciel Ryżakow postawili sobie najtrudniejsze zadanie: rozgryźć osławioną nową naturalność, zaszytą w przebiegłych, relatywistycznych tekstach, tak umiejętnie oszukujących widza, gotowego uwierzyć, że eleganckie sztuczki Wyrypajewa są filozoficznymi instrukcjami życia.

Ekaterina Krajewa

Na szerokiej platformie CIM znajduje się platforma pokryta papierem rzemieślniczym (Ryżakow po raz pierwszy pracuje z wybitnym scenografem Nikołajem Simonowem), pośrodku którego Andriej Burkowski i Julia Peresild zamarli w futrzanej czapce pożyczonej od Barbary Brylskaja. Muzyczny sygnał - i rozpoczyna się słowna bitwa, która w kulminacyjnym momencie przeradza się w szturm: bliżej finału, ubrana od Bosko di Ciliegi bohaterowie „Słonecznej Linii” bili się na wszelkie możliwe sposoby, jak w horrorach, karykaturalnym załamywaniem rąk i smakowitymi ciosami w pachwinę. Tłem dla wyczerpującego, patetycznego, zabawnego pojedynku, przeplatanego eleganckimi przekleństwami, jest wideo Władimira Gusiewa przedstawiające albo wnętrze domu, albo ukośny deszcz, który w momencie wzruszającego wyznania eksploduje rozsypaniem przestrzeni.

Litera sztuki jest literą sztuki.

Wyrafinowanie i powtarzalność formy, nabitej na sztywno ustalony rytm, pozwalają nie tylko rozpoznać charakterystyczny styl Ryżakowa, ale także wczuć się w fakturę i muzykę gry Wyrypajewa. Gdy papier zostanie oderwany od błyszczącej powierzchni lustra, a platforma obrócona poziomo, artyści znajdą się na terytorium, gdzie każdy ruch i każde słowo może być śmiertelnie ryzykowne – dosłownie iw przenośni. „Solar Line” w TsIM to spektakl o tym, jak trudna jest każda próba komunikacji i jak czasem łatwiej ją zaniedbać niż walczyć do końca.

Ekaterina Krajewa

Zdaniem Wyrypajewa (dlaczego nie jest teoretykiem współczesnego teatru?) litera sztuki jest literą spektaklu: im bardziej zwięzły jest reżyser, tym skuteczniej poradzi sobie z tekstem. Solar Line naprawdę przypomina mały silnik złożonego mechanizmu: w nim słowo jest równoznaczne z działaniem - i nie jest to gra sytuacji, nie system udanych powtórek, ale reakcja łańcuchowa teatralnego dialogu, w którym już pierwsza uwaga działa jak spust. Tak rozpoznawalna w swoich frustracjach Barbara i Werner, przypominający bohaterów niezliczonych drobnomieszczańskich telewizyjnych dramatów, słowo prowadzi, oszukuje, uniemożliwia nawiązanie kontaktu – ale w końcu daje szansę. Po spędzeniu kilku godzin samotnie z rzędu zataczają krąg: od kompletnego nieporozumienia do próby zbliżenia się do siebie jednak pod fałszywymi nazwiskami.

Efekt „Solar Line” opiera się na połączeniu czułości i brutalności, ironii i patosu, a ta gra rejestrów wymaga od wykonawców zarówno wysokiego warsztatu, jak i wyrzeczenia się rękodzieła. Sekret prawidłowy wykonanie sztuki polega na manewrowaniu między gatunkami, szybkiej wymowie tekstu, specyfice i umiejętności pozostania sobą. Gatunek stylizowanego dramatu familijnego daje się obojgu łatwo: widzowie śmieją się, rozpoznając w bohaterce Peresild cały wachlarz kobiecości od łagodności do zdziry, w bohaterze Burkowskim – archetypowym mężczyźnie szalejącym od irracjonalnej logiki partnerki . Tekst Wyrypajewa leci jak kometa, momentami zderzając się – tworząc komiczny efekt – z próbami wyjaśnienia wszystkiego codzienną logiką.

Roman Kanaszczuk

Ale jeśli chodzi o osobistą prezencję, Solnechnaya Liniya jest antytezą prostego i energetycznego Tlenu, który na zawsze zmienił bieg najnowszej historii rosyjskiego teatru. W szczerości ówczesnego manifestu Wyrypajewa uchwycono istotę czasu, szukania nowej szczerości i nihilizmu - i nie znajdowania ich w teatrze. W wyrafinowanych konstrukcjach dramatów Wyrypajewa z lat 2010. szczerość skrywa się za systemem zniesławień, ale nawet one zachowują swój życiodajny potencjał: przechodząc przez sztukę, jak przez ogień lub wodę, widz doznaje prawdziwego doświadczenia „ uzdrowienie słowem”. W tym sensie jeden z podtytułów "Słonecznej linii" - "komedii pokazującej, jak można osiągnąć pozytywny wynik" - bardzo trafnie oddaje realia spektaklu Ryżakowa: przy odpowiednim wykonaniu wynik jest oczywisty.

Tym razem proces pracy nad sztuką Iwana Wyrypajewa „Linia słoneczna” w „Open” przebiegał jakby pod niewypowiedzianym hasłem „człowiek proponuje, Bóg rozporządza”. I to jest wysoce komplementarne: nie każdy ludzki projekt zasługuje na boskie usposobienie. Ten oczywiście okazał się godny, a stąd te dziwne niekonsekwencje i niefortunne nieporozumienia, w wyniku których wydarzenie zapowiadane jako „process-metri” (występy nazywane są w Otkryto procesami) w przestrzeni baru karaoke z fortepianem i perkusja została „przycięta” do nieścieżkowej lektury dla dwojga, bo w rzeczywistości okazała się prorocza i absolutnie konieczna, mówiąc bardziej fatalna.

Przed rozpoczęciem czytania organizator i wykonawca Dmitrij Gomzyakow kilkakrotnie powtarzał, że on i Olga Reich bardzo chcieliby przeczytać sztukę tak, jak chciał tego dramatopisarz, i jest w tym coś śmiesznego: rzeczywistość, otrzymawszy taką na prośbę, bardzo starał się uchronić chłopaków przed fatalnymi błędami - przedstawieniem „Linii słonecznej” jako spektaklu, ponieważ istniało wrażenie, że Iwan Wyrypajew napisał wszystko, ale nie materiał do produkcji teatralnej.

Zapowiadając zbliżający się proces, organizatorzy przytoczyli słowa Iwana Wyrypajewa o spektaklu „Linia słoneczna”: „Chciałem pokazać mechanizm, dlaczego ludzie nie mogą znaleźć kontaktu, co im przeszkadza. Spektakl pokazuje 5-6 takich mechanizmów: od banalnego - kiedy się nie słyszymy i przerywamy sobie, do maksymalnego - kiedy inaczej postrzegamy rzeczywistość: kiedy mówi się: „Właśnie cię przeprosiłem” - „Co robiłeś Teraz? Robisz to teraz?!!" A cel tej zabawy jest terapeutyczny. Te mechanizmy można wypracować dla jakiejś pary, która przyszła na przedstawienie”.

Dwoje na wysokich krzesełkach, małżeństwo, siedem lat małżeństwa, Werner i Barbara, kuchnia prywatnego domu podarowana w prezencie ślubnym przez rodziców panny młodej, gdzieś w Monachium. Piąta rano. To jest chyba ważne. Wszystko, co się w kółko powtarza, w literaturze, kinie, teatrze - w sztuce, nabiera znaczenia. W życiu traci na wartości. W sztuce staje się to ważne. Ale teraz to literatura, a piąta rano jest ważna. Te dwie sprawy załatwiają - fu, chce mi się pluć, słowa przyprawiają o mdłości w swojej banalności. Wyrzuty, oskarżenia, ciche wspomnienia, klapsy, wyzwiska, bójki, wyimaginowane tańce, delikatne dotknięcia, irytacja, zazdrość, odgrywanie ról, ból i niezrozumienie wszystkiego. O piątej rano. Niesystematyczne rzucanie organizmów pozbawionych melatoniny.

I problem natychmiast sformułowany: brak dzieci w ciągu siedmiu lat małżeństwa. To nagle odkryte zjawisko, nad którym obecnie z niepokojem dyskutują psychologowie i antropolodzy, jest kamuflażem niechęci do posiadania dzieci z różnych przyczyn „obiektywnych” (brak mieszkania, stałego dochodu, potrzeba zrobienia kariery itp.) odkładanie na później. Przez siedem lat Werner i Barbara mieli jasne i bezwarunkowe powody, dla których pojawienie się dzieci w ich rodzinie byłoby aktem skrajnie głupim, a zatem brak potomstwa był uzasadniony i nie budził wątpliwości. Ale wiosna już za pasem, ostatnia rata kredytu zostanie spłacona 24 kwietnia, a Werner chce mieć dzieci. Werner chce dzieci? Werner uważa, że ​​chce mieć dzieci.

Barbara ich nie chce. Ale Monachium za oknem, czy nie Monachium, niechęć kobiety do posiadania dzieci (a tym bardziej w małżeństwie!) jest uważana za dewiację, wręcz dewiację psychiczną, nienormalność, jest piętnowana przez społeczeństwo i można jej tylko wybaczyć ze względu na bardzo ważne okoliczności, głównie o charakterze medycznym, a najlepiej byłoby, gdyby były one związane ze zdrowiem człowieka. Dalej – miliony słów – oskarżających, pouczających, rozpraszających – za którymi kryje się tylko jedno niewypowiedziane pragnienie-prośba: „Werner, powiedz im, że nie chcesz mieć dzieci, zrozumieją cię, wybaczą ci, nikt będzie wątpił, że masz argumenty, żelbetowa podstawa. Ale on nie rozumie wskazówek, nie słyszy niewypowiedzianych, nie czuje jej pragnień i oczekiwań. Stąd wyrzuty, oskarżenia, ciche wspomnienia, policzki, wyzwiska, bójki, wyimaginowane tańce, delikatne dotknięcia, irytacja, zazdrość, odgrywanie ról, ból i niezrozumienie wszystkiego. O piątej rano.

Od razu. Momentalnie sformułowana problematyka fabuły. I nie wierzę. Za życia w to nie wierzę. Nie w istnieniu tego Wernera, który jest zbyt rozwlekły i tak po mistrzowsku łamie linię dialogową, zmuszając ją do artystycznego rysowania skomplikowanych wzorów, budując intrygę fabularną nazbyt literacką, która nie mieści się w prymitywnej, codziennej scenie z życia zamężnego para. Nie wierzę w istnienie tej Barbary, z błyskawicznymi reakcjami nerwowymi, zbyt szybką inteligencją, pozwalającą na błyskawiczne reagowanie na nieprzewidywalne przerwy w fabule ustawione przez partnera. A szczególnie nie wierzę w istnienie tych rzekomo Niemców Wernera i Barbary, wplecione w ich wypowiedzitak wyrafinowana i ozdobna mata. Mimo to przywykłem uważać to za czysto rosyjskie osiągnięcie, naszą narodową rodzynkę i nie odmówię tak po prostu tego, co pozostawili w spadku moi przodkowie na rzecz niektórych Niemców.

A jednak tekst na mnie działa. Wnika, wypełnia mózg, drapie świadomość. Ale nie wierzę. W tym momencie akceptacji tekstu i niedowierzania w tkwiący w nim sens rodzi się zrozumienie: nie ulegam fabule, nie semantycznemu sensowi wypowiadanych słów, słucham liter, fal dźwiękowych. Wernera. Bar-bar-ra. Prezerwatywa. Seks dobry-rosh. Obcy człowiek. Yo… pierdol się. Foxtrot-t. Zoja i Zygfryd. Pieprzony lo-go-ped!

I tutaj rozumiesz: nie zabawa, ale ćwiczenie. Cały tekst Wyrypajewa jest jednym ciągłym ćwiczeniem dla rozwoju aparatu mowy. Nie ma fabuły, tak jak nie ma w problemach o właścicielach innej liczby jabłek z podręcznika do matematyki. Nie ma przekazu semantycznego i treści, tak jak nie ma ich we frazach z elementarza typu „matka umyła ramkę” czy regułach mnemonicznych. Niezależnie od frazy, to pangram, łamaniec językowy, ćwiczenie szczypania i gwizdania, dźwięczne i głuche. Nie trzeba rozumieć i rozumieć, po prostu trenuj mięśnie twarzy, po prostu naucz się artykułować. Wartość artystyczna sztuki Wyrypajewa polega na jej absolutnej użyteczności.

Zdając sobie sprawę z tej skorupy, zewnętrzne kontury tekstu jakby nieoczekiwanie pogrążyły się w niej na nowo, nadane przez nią sensy fabularne, ale nie na poziomie „Werner i Barbara są niewolnicami małżeństwa bez dziecka”, lecz na płaszczyźnie próba rozwiązania już prawie ogólnego problemu drętwienia relacji. Tak się jakoś złożyło, że nauczono nas uważać uczucia, które nie wymagają słów, by być prawdziwą miłością. Uczyli, że ludzie, którzy naprawdę się kochają, powinni czuć się na odległość. Nie potrzeba słów. Czytaj oczami. Sugerowano więc usilnie, że w pewnym momencie milczenie zaczęto uznawać za cechę definiującą prawdziwe uczucia, a zatem potrzeba mówienia w parach jest dowodem na niedosyt, niższość miłości.

Wiesz, teraz coraz częściej zdarzają się dzieci, które nagle przestają mówić, milkną. Rodzice ciągną je do pediatrów, psychologów dziecięcych, logopedów i latami szukają przyczyny – często urazu psychicznego. Coś podobnego dzieje się z małżeństwami.

Czy ślub to naprawdę tak stresująca sytuacja, że ​​po nim ludzie przestają ze sobą rozmawiać? Najwyraźniej wewnętrzny strach przed wystawieniem się na pośmiewisko wszystkich, zmuszany do wykonywania niedorzecznych zadań z tradycyjną perwersją zwaną ceną panny młodej, sprawia, że ​​świeżo upieczeni mężowie po cichu chłoną nocny barszcz, po cichu biorą udział w kolejnej bitwie pancernej, po cichu, od czasu do czasu wykonuj te śmieszne gesty, a potem zasypianie i milczenie jest już w końcu motywowane fizjologicznie. A może szok nerwowy na widok wiejskiego kuzyna tektonisty tańczącego do Serduczki odbiera młodej kobiecie mowę, zmuszając ją do komunikowania się z ukochaną osobą w niezwykle krótkich i precyzyjnych wiadomościach zawierających listę produktów?

Po ślubie ludzie stają się odrętwiali, jakby oduczyli się, zapominając, jak rozmawiać na osobności. Jednak dość szybko wspólne zamieszkanie sprawia, że ​​przyznają, że nie posiadają telepatycznych supermocy. Dziwne, ale musisz opanować umiejętności dialogu. W tym celu stworzono grę-ćwiczenie „Linia słoneczna”. Ma wszystko: złożone słowa, które zawierają trudne do wymówienia dźwięki (cóż, to nie przypadek, że bohaterowie nazywają się Werner i Barbara - śmierć jest pogrzebana!), - rozwijać mięśnie twarzy odpowiedzialne za mówienie; długie frazy wymagające wymowy na jednym oddechu - do ćwiczenia płuc; wiele osobnych „tematów” - całe zaprojektowane historie na różne tematy („chcę dzieci”, „nasz seks”, „pierwsza randka”, „nasz rozwód”, „moje dzieciństwo”, „kiedy umrzesz”, „twoje kochanki ”, „przemoc domowa”) - aby stworzyć przynajmniej minimalne słownictwo do omawiania zwykle przemilczanych aspektów wspólnego życia; i, oczywiście, mnóstwo przekleństw - aby złagodzić psychologiczne zaciski każdej dobrze wychowanej osoby.

Przezwyciężyć kompleks „prawdziwej miłości, która nie wymaga słów”. Ponownie naucz się ze sobą rozmawiać. Przyjmij to jako aksjomat: jakość uczuć nie zależy od liczby wypowiedzianych słów. Lektura tekstu Wyrypajewa przez Olgę Reich i Dmitrija Gomziakowa zdawała się odbywać w gabinecie psychologa rodzinnego lub w sali spotkań mediatora, z którego usług, według wersji zachodniej, korzysta się w postępowaniu rozwodowym. Para, która otrzymała arkusze tekstu i została zmuszona do czytania przez role. Różnie odczytywane uwagi w spektaklu stają się zrozumiałe: albo uwaga „cisza” jest natychmiast wypowiadana na głos, a potem następuje krótka cisza, potem najpierw milkną, a potem, jakby nie mogąc tego znieść, jeden z dwóch mimo wszystko mówi uwaga autora. Po prostu nie wiedzą, czy trzeba też ogłaszać ciszę, czy też wystarczy się do niej ograniczyć, ale widząc wyczekujące spojrzenie psychologa, rozumieją, że ciszę także trzeba sformułować, a tym samym nadać jej znaczenie. , nadając mu sens. Czekasz na zrozumienie, powiedz mi - takie jest prawo stosunków międzyludzkich. Nie potrafi czytać w twoich myślach, tak jak ty nie potrafisz tego zrobić, nieważne jak społeczeństwo chwali pewną kobiecą nadwrażliwość i intuicję.

Otwierając czytanie „Solar Line”, Dmitrij Gomzyakov wyjaśnił, że on i Olga Reich uważają tę sztukę za „bardzo fajną” i chcieliby, aby wszyscy obecni zrozumieli, jak fajna jest ta sztuka. Nie, chłopaki, nie nazwałbym tego tekstu fajną zabawą - „fajny” nie jest właściwą cechą, dla tego tekstu najwyższa ocena będzie „skuteczna”. Tak, to bardzo skuteczny tekst. Nie trzeba jej grać ze sceny teatralnej – warto byłoby ją wręczyć wszystkim parom w kryzysie, ustawić zegar na piątą rano i kazać im czytać tekst na głos przez całą noc, aż mięśnie twarzy się do tego przyzwyczaić, a umiejętność wyrażania swoich żądań i oczekiwań wobec partnera zostaje doprowadzona do automatyzmu.

„A cel tej sztuki jest terapeutyczny”, czy nie mówił o tym sam Iwan Wyrypajew? Wszystko dokładnie jak w aptece.